miércoles, 23 de febrero de 2011

NAILBOMB

Ahora que toda esta semana he tenido y tendré bastante tiempo libre, al estar revisando noticias relacionadas con la música, me encontré una que me fue de particular interés, pues se relaciona con el incansable frontman de Soulfly, Max Cavalera, quién al parecer se encuentra preparando un nuevo proyecto nada más y nada menos que en colaboración con un personaje que forma parte de una generación digamos más actual del metal, ya que se trata del vocalista de la banda The Dillinger Escape Plan, Greg Puciato, que si bien yo les he perdido un tanto la pista en cuanto a lo que han hecho más recientemente, reconozco que han sabido relacionarse bastante bien dentro del circuito y previamente ya han firmado colaboraciones bastante interesantes, como es el caso del Ep que grabaron teniendo como invitado de lujo al no menos inquieto Mike Patton (Faith no more, Mr. Bungle).
En dicha noticia también se mencionaba un poco sobre el sonido en cuestión que se espera tenga como resultado dicha colaboración; que se trata de algo muy al estilo de lo hecho ya hace poco más de quince años con aquella efímera agrupación de nombre Nailbomb, otra de las no pocas formaciones paralelas que ha liderado el mismo Cavalera, aunque en este caso al lado del músico ingles Alex Newport, proveniente de la banda de post-hardcore ya extinta, Fudge Tunnel, en la cual se tuvo acercamientos más francos con el Industrial, obviamente sin dejar de lado los elementos Trash, especialidad de la casa. 
Precisamente para celebrar tan buenas noticias, vamos recordando, o para los que no habían escuchado de este peculiar combo, aquí se los compartimos. Se trata del explosivo Point blank (Roadrunner, 1995), que para sus grabaciones, estuvo plagado de nombres como Dino Cazares (Fear Factory, Divine Heresy, Brujería) o compañeros de la anterior banda del brasileño, Sepultura. Desde el inicio podremos apreciar una propuesta más directa, que de hecho va muy de la mano con la fotografía de portada - ¿ perturbadora, no? - resultado de aquella fusión de semejantes talentos, pero sobre todo de los estilos que manejan, ya que podemos identificar perfectamente las aportaciones que cada quien hizo para así engendrar aquella entidad de personalidad propia. Si bien es cierto que inevitablemente al escucharlo nos traerá reminiscencias de las bandas de las cuales provienen los artistas implicados, alcanza a salir bien librado, sobre todo por el tiempo en el que fue elaborado, en el que sino todos, la gran mayoría se encontraban en un gran momento, no sólo creativamente hablando, sino también en el nivel de la relación con su público, ya que disfrutaban de un gran respaldo que probablemente hoy en día no tienen.
También se percibe cierta libertad en cuanto a intentar cosas distintas, ritmos bastante densos y lentos, incluso hipnóticos, distorsiones más bien secas, pero con ese toque en los riffs que sólo el gran Andreas Kisser sabe dar, letras en portugués, denuncia social, mala leche, también rapidez, samplers; no le falta nada a este potente álbum. Ideal para dar batalla a mitad de semana, solo recuerden darla con personalidad, no con los puños, como alguien a quien conozco. Disfruten.




...help to blind me, trying to burn me




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lunes, 21 de febrero de 2011

LA PRINCESA DE MONONOKE

...Por René






LA PRICESA MONONOKE

Si tomo la palabra, no es para defenderme de los actos
de los que se me acusa, ya que sólo la sociedad,
que por su organización pone a los hombres en lucha

continúa los unos contra los otros, es la responsable.
Ravachol




Mi primer post del año, y lo que inspiro semejante peripecia, es este film de Hayao Miyazaki este señor que ya dejo huella en la historia de la animación, mejor conocido por el viaje de Chihiro que fue ganadora del Oscar. Al que James Cameron le robo gran parte de lo que se puede ver en Avatar argumentando que tenia el guión desde 1995, mucho antes de filmar titánic. Esto solo me recuerda una frase que decía una pequeña niña de ocho años cada que le contaba historias tan irreales que ni yo me aguantaba la risa
 “te voy a creer, pero no le digas a nadie que me hiciste mensa”

Esta historia comienza con un príncipe que tiene que defender a su pueblo de un demonio que lo amenaza, el clan Emishi. En la batalla  en la que se ve obligado a matarle, éste es herido y maldecido por el demonio que en realidad es un dios protector del bosque el cual le dejo una sentencia de muerte al ser expuesto a su rabia. Esto le lleva al príncipe Ashitaka a viajar a tierras lejanas en búsqueda de una cura para su maldición, que le consume cada que su corazón es ensombrecido por el odio. En su viaje tendrá que ser intermediario en un conflicto entre la ciudad del hierro y el clan de los lobos quienes protegen el bosque de la desmedida mano humana. Ashitaka deberá ponerle un alto al círculo vicioso de venganza y muerte.

Lo interesante de los films de Hayao Miyazaki es que no toma la salida fácil al plantear una situación, y profundiza en los personajes y el porque de sus actos, demostrando buen juicio con cada uno dejando mucha esencia en ellos. Al mismo tiempo mostrando sus posturas ecologistas y anti-bélicas, lo que es raro ya que es muy explicito al mostrar escenas de combate, mismas que la distribuidora Miramax quiso cortar para hacer mas comercial la película, Hayao respondió a esto, mandándoles una katana con un mensaje grabado en la hoja que decía “sin cortes” con esto quiero creer que el mensaje es obvio debido a la temática de la misma, los problemas se ven de frente y claro. Los problemas ecológicos no son el único problema, es sólo uno de los que toman turno en esa gran fila.

Llevo en la mente algunos días con la imagen (nada nueva) de un animal pisoteado por los carros en plena avenida hasta perder la forma de lo que fue un perro. Con sus extremidades aun peludas entre un contorno rojo demasiado difundido, que solo expresa lo bien que vamos contra todo… y todos. Muchos dirán que solo es un perro, uno mas uno menos, pero esa falta de responsabilidad, sensibilidad  y respeto por la vida, es la que nos esta llevando a ver tanta mutilación y desordenes sociales. La princesa mononoke nos muestra que la humanidad tiene grandes defectos individuales, y que mientras no los supere, no podrá vivir en armonía con las demás especies. Al mismo tiempo también nos muestra que mientras exista amor en el corazón de algunos, se tiene esperanza.

Les invito a que vean esta y todas las películas que puedan del maestro Hayao Miyazaki, la animación no son solo para niños, también enseña y educa a grandes.

Vengo para ver con claridad, sin odio…







   

sábado, 19 de febrero de 2011

RADIOHEAD

-Si ya se que había prometido subir algo muy distinto hace un par de días- pero fíjense que ayer por la mañana, leí una noticia sobre el nuevo lanzamiento de Radiohead y de que ya habían habilitado la descarga digital de su tan esperado nuevo álbum The king of limbs (poco más de medio día antes de lo previsto, creo) por la módica suma de nueve dólares en formato mp3 y catorce en wav. Así que me dí a la tarea de conseguirlo lo antes posible y poder escucharlo. Lo que me llamó la atención primeramente fue el número de cortes que conformaban el disco, ya que previamente no tenía otra información respecto al octavo trabajo de los ingleses aparte del título y la fecha de sus salida. Sólo ocho son las canciones que forman parte de esta nueva obra, dos menos que su predecesor y de hecho hasta ahora el que menos tracks ha contenido desde el ya mayor de edad Pablo honey (Parlophone, 1993), que fue puesto a la venta por estos días, hace dieciocho años.
Igual lo que nos importa aquí no es la cantidad sino la calidad, y tratándose de Radiohead, sabemos que la hay, y de sobra. A sólo casi un día de haberlo escuchado por primera vez y después una y otra vez, creo que puedo compartirles mis primeras impresiones, así como de ciertos detalles que pude notar.
De entrada, algo de lo que yo me pregunto, es, en el caso de una banda como esta, que prácticamente desde sus inicios ha tenido a medio mundo al pendiente de su música, que de manera sobradamente inteligente y talentosa supo desmarcarse del calificativo grupo "one hit wonder", dando bofetada con guante blanco a todo aquel que los conocía o que solo iba a sus conciertos esperando a que tocaran ese cuasi-himno de la llamada "generación X" que era Creep, al ya no incluirla más en sus presentaciones. Que para finales de los 90's, ya con un gran número de seguidores a sus pies después de la salida de lo que fue el clásico instantáneo The Bends (Parlophone, 1995), sorprendió a propios y extraños al abrir todo un mar de posibilidades y deshacer toda frontera entre el rock y lo electrónico con el Ok computer (Parlophone, 1997) y que posteriormente expandirían sus horizontes hacía los terrenos de la experimentación con aquellas exhaustivas grabaciones que darían como resultado los alucinantes Kid A (Parlophone, 2000) y Amnesiac (Parlophone, 2001) en el naciente siglo veintiuno, y que desde siempre han mantenido ese nivel y creatividad, no sólo para sus composiciones bien dicho sea de paso, sino también para llevar sus negocios, ya que nada más y nada menos, para el In Rainbows (Self-release, 2007) dio cátedra de como adaptarse a las nuevas formas de promoción y distribución de música en formato digital. Y que por si no fuera suficiente, para rematar esta conformada por personalidades tan dominantes e imaginativas como Thom Yorke o Jonny Greenwood, que a su vez están involucrados en gran número de proyectos simultáneamente. A estas alturas, -¿De qué otra forma podría sorprender?, y ojo no me mal entiendan, no con esto me refiero a algún tipo de exigencia estilo fan de hueso colorado o de crítico sabelotodo- si me preguntan, tan sólo al inicio de esta semana, me sorprendió el hecho de que así, sin haber proporcionado detalles previos o haber realizado una promoción como tal (sólo un par de canciones habían sido tocadas en algunos conciertos anteriormente), en tan sólo unos cuantos días podríamos disfrutar de este material hasta ayer inédito del que estamos hablamos, y aún así nuevamente provocar el revuelo, toda clase de comentarios y expectación, -ah!! y también publicar el vídeo del primer sencillo, Lotus flower-.
Teniendo esto en cuenta hablemos pues de este "Rey de las extremidades", título que posiblemente hace alusión a un gran árbol de roble, que se cree tiene mil años de antigüedad aproximadamente y se encuentra en el bosque Savernake Wiltshire, lugar cercano a donde la banda grabó su anterior disco. En mi opinión creo que este trabajo encierra muchísimos detalles, que sólo podremos notar poniendo toda nuestra atención en él, yo recomiendo unos buenos audífonos a un buen volumen y no hacer nada mientras se escucha. De hecho como unidad funciona mejor así, no es una obra para apreciar mientras se hace algo más, ya que está revestido de un gran número de sutiles capas que crean atmósferas realmente interesantes. Por ejemplo, en cuestión de las bases rítmicas, sobre todo en el apartado de la batería y secuencias de ritmos, me parecen toda una delicia; intricadas, minimalistas, hipnóticas, con ese toque que sólo ellos pueden lograr.
En esencia es más uniforme que su predecesor en cuanto al mood, no hay grandes cambios entre corte y corte, si bien algunas canciones tienen un tempo más acelerado que otras, la estridencia no se hizo presente esta ocasión. Se percibe un sonido reposado, mucho más cuidado, que a pesar de encontrarnos por momentos ante composiciones que podrían considerarse sentadas en bases netamente electrónicas y por lo tanto no contar con esa espontaneidad de rolas más guitarreras de trabajos anteriores, existe una organicidad e integración notable, en el sentido de que con el transcurrir de cada track, aunque una y otra posean  instrumentaciones totalmente distintas, no se pierda ese sentido de unidad, caso específico de Feral y Lotus flower, que si bien la primera es totalmente delirante, con todo un entramado de secuencias electrónicas que se van agregando in crescendo y no posee verso alguno, nos transporta de inmediato a esa línea bajo exquisita de Lotus Flower, que en cuanto a los elementos utilizados y su estructura es muy distinta, y sin embargo no desentona en lo absoluto; solo una de las tantas cualidades en la que se han hecho especialistas los de Oxfordshire a través de los años y por las cuales se siguen manteniendo vigentes.
En conclusión he decirles que, tomando en cuenta el gran historial antes mencionado de la banda, difícilmente nos encontraríamos ante una nueva gran evolución respecto a su sonido (o en lo que podíamos esperar), cuestión que por supuesto nunca descarto tratándose de Radiohead. Sin embargo también puedo decirles que efectivamente se trata de una gran obra de arte, en la cual se agradece que sigan dando rienda suelta a todas esas inquietudes que tienen, explorando, intentando nuevas cosas, con ese toque inconfundible que poseen, el cual dará mucho de qué hablar en las próximas semanas. Producido nuevamente por Nigel Godrich, espero sus opiniones, puntos de vista, haber que les parece, saludos.




...I will shape the sins into your pocket



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viernes, 11 de febrero de 2011

SCOTT WEILAND

Hoy concluye esta pequeña mini-serie de "vocalistas de grandes bandas en solitario" que ojalá haya sido de su agrado, si bien es cierto que hay muchísimas otras opciones para conformar otra tercia, que se antojaría tal vez más interesante, opté por estos tres ya que guardan ciertas similitudes entre sí, quizá musicalmente hablando no tanto, pero en cuanto a cómo se han desarrollado sus respectivas carreras si, aparte de que bien pudieran considerarse contemporáneos (unos años más, unos menos), y que casualmente los tres han tenido un reencuentro con sus respectivas bandas por las que sobresalieron más, recientemente, no está de más mencionar que a diferencia de Soundgarden y Stone temple pilots, The smashing pumpkins si sufrió importantes cambios en su alineación original una vez que se revivió el proyecto, ya que debido a una serie de eventos y declaraciones poco afortunadas por parte de mister Billy Corgan, la relación entre sus demás ex-compañeros y él, no quedó precisamente en buenos términos.
Entrando en materia, puedo decirles que este álbum es el menos accesible (musicalmente hablando) de los tres, pero no por esto significa que sea una obra menor y es que este primer trabajo como solista de este gran frontman tiene el merito de poseer un sonido totalmente apartado de lo que pudiera haberse esperado por parte de los seguidores de Stone temple pilots, incluso en el apartado de las vocales se da la oportunidad de intentar cosas distintas, inyectándole un aíre bastante personal al conjunto. Si bien no es un trabajo experimental como tal, ya que estructuralmente tiene una forma digamos tradicional, cuenta con instrumentaciones bastante peculiares que son de difícil asimilación en sus primeras escuchas, pero a la vez lo convierte en un álbum bastante rico en cuanto a sonoridades, que en su esencia, efectivamente como su título nos dice, 12 Bar blues (Atlantic, 1998), nos adentra en su particular visión ácidoelectroblusera con ese mood  bohemio, cabaretero, con toques surrealistas, y aún así nos deja ver ese lado sensible más relajado con grandes baladas en las que efectivamente no está ausente la guitarra acústica, como en la genial Where's the man.
En general una obra bastante interesante, que si bien queremos aventurarnos un poco podríamos decir que nos dice mucho de su autor, ya que en mi opinión se trata de composiciones realmente honestas; amores tormentosos, delirios, excesos y demás sentimientos están presentes aquí, ya sea en las letras o en la música, sin artificios, se deja su personalidad en cada canción. Todo un recorrido por distintos estados de ánimo, y de estilos, que hasta por ahí en la circense Lady, your room brings me down se da el lujo de mostrar ciertos guiños folk experimental a la Tom Waits, o hacer una breve parada en territorios más stonetemplepilotnianos, claro después haber tomado una buena dosis, en la explosiva Cool kiss.
En cuanto el recibimiento que tuvo al momento de su salida, las ventas no fueron precisamente buenas, a pesar de que fue bien visto por la crítica y medios especializados en su momento, una lastima.
Como conclusión puedo decirles que en lo particular se me hizo de llamar la atención todos esos detalles que comparten entre sí estos tres, hasta las portadas de estos discos prácticamente son iguales, - con la jeta del tipo en primer plano no?, por aquello de que el respetable no sepa de quién se trate - aparte que también los tres después de ver desintegradas sus bandas, integraron otras , que por los nombres que desfilaron en ellas bien se les podría dar el calificativo (Audioslave, Velvet Revolver, Zwan) de superbandas, - tan de moda últimamente -.
¿Con quién se quedan? Espero mañana mismo empezar con la versión habla hispana, que a muchos de los que me conocen, estoy seguro que por lo menos uno de los que conformará la tercia será muy fácil de adivinar o no??



...You make the world a better place to find




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miércoles, 9 de febrero de 2011

CHRIS CORNELL

Pues bien continuamos con esta pequeña serie de vocalistas de bandas famosas que se animaron a intentarlo en solitario.Para esta segunda entrega tenemos a otro grande, que, como en el caso de la recomendación de ayer, actualmente no se encuentra en su mejor momento musicalmente hablando, y casualmente también se ha reencontrado con todos lo miembros de la banda que lo vió crecer artísticamente, aquella legendaria agrupación proveniente de Seattle, que fue parte de esa efímera generación que surgió a finales de los 80's y no sobrevivió sino hasta finales de los 90's, cuyo principal semillero se encontraba en la localidad antes mencionada y tuvo como bandera el genero denominado grunge, les hablo de Soungarden y de su vocalista y lider Chris Cornell.
Dos años después de la ruptura definitiva de Soungarden, el también guitarrista lanzó su primer trabajo en solitario, titulado Euphoria morning (A&M, 1999) teniendo como primer sencillo promocional el extraordinario Can't change me, embarcándose en su respectiva gira de difusión. Como dato adicional, este álbum fue dedicado a su amigo, el también músico y compositor Jeff Buckley, el cual había fallecido de manera trágica en 1997, y que incluso la canción Wave goodbye fue escrita para el.
Si bien este disco estuvo muy por debajo de las ventas esperadas, cosecho muy buenos comentarios por parte de la prensa y medios especializados; en mí opinión creo que hasta el momento es lo mejor de su obra como solista, desde la inicial y antes mencionada Can't change me, nos encontramos con una buena colección de entrañables melodías, emotivas de principio a fin, no hay desperdicio aquí, un trabajo realmente solido en el cual podemos apreciar las influencias más arraigadas del señor Cornell. Aquella voz barítono nunca había sonado tan intensa, con fuertes dosis de R&B así como Soul, logra internarnos en aquella postal melancólica tan rica en instrumentación, en estado de gracia, un trabajo que no sólo para mí se ha convertido en un clásico de nuestros tiempos; han pasado ya más de diez años desde su salida al mercado y me sigue sonando tan potente y vital como en la primera escucha, todo un deleite que creo, el tiempo le dará el lugar que merece.
La verdad ni mencioné su otra anterior banda Audioslave porque realmente nunca llamó mucho mi atención durante su también algo breve existencia y pues de sus posteriores trabajos por su cuenta, pues uno me gustó a pesar de ser algo irregular y del último, Scream (Universal, 2009) solo puedo decirles que parece una mala broma al respetable, da pena ajena en verdad, ni hablar, definitivamente me quedo con el primero.
Como les parece hasta el momento la serie, ya sólo falta uno, por cierto también habrá una mini-serie con compositores de habla hispana, que esta de más decir que también hay grandes exponentes y no los pasaremos por alto.




...I know you'll be alright if you only come away to the moon



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martes, 8 de febrero de 2011

BILLY CORGAN

Que tal mis estimados, regresando del primer puente del año, es tiempo de una nueva recomendación, bueno de hecho será una pequeña serie de tres discos, en la que el común denominador es, que se trata de trabajos en solitario de vocalistas que forman parte de bandas que en algún momento fueron grandes o que por el momento no atraviesan por su mejor momento creativo, y que sin embargo por su parte entregaron resultados más que aceptables e incluso uno que por ahí pudiera tener categoría de clásico.
Para inaugurar esta triada de buenos discos, pues tenemos el The future embrace (Reprise, 2005) del para muchos gran (me incluyo, a pesar de algunos eventos en los cuales ha participado y que creativamente no se encuentra en su nivel) Billy Corgan.
Recordemos que en aquel año el señor Billy Corgan venía de dar por terminada su relación con sus compañeros de aquella efímera banda de nombre Zwan poco más de un año antes, que tuvo como fruto único el inusualmente optimista Mary star of the sea (Reprise, 2003), así como tiempo antes The smashing pumpkins habían desaparecido. Entonces bajo este contexto Corgan se embarca en este nuevo proyecto, el cual deja ver una cara menos rockera y más rica en elementos electrónicos y secuencias. Posteriormente él mismo comentaría que ésto fue con el afán de alejarse lo más posible de lo hecho en su más famoso anterior proyecto, que sí bien es inevitable el traer reminiscencias de los Pumpkins a sus antiguos fans, buscaba evitarlo al máximo.
También es cierto que este detalle de usar secuencias no era para nada ajeno al también guitarrista, que para las grabaciones en 1998 del oscuro y para muchos fallido (para mí excelente) Adore, habían perdido a su baterista Jimmy Chamberlin, que envuelto en un problema de drogas y una sobredosis que tuvo como consecuencia la muerte de otro miembro de aquella banda, el tecladista Jonathan Melvoin, fue a dar a la cárcel. Y para de algún modo sobreponerse a esas sensibles bajas dentro del seno de los Pumpkins, se optó por las secuencias electrónicas en algunos cortes y en otros hacerse de los servicios de otro baterista.
Sin embargo uno de los puntos más notables de este trabajo, es que la guitarra no toma un protagonismo, sino un papel armonizador, no hay solos o rastros de estridencia. Si bien es un álbum muy sui géneris podemos notar a un Billy Corgan muy en su elemento, que en mi opinión supera por mucho lo que hizo con Zwan, se le da muy bien esta faceta más electrónica, que entre los medios especializados cosechó criticas muy dispares, y en cuanto a ventas le fue medianamente bien.
Espero sus comentarios, para mañana esperen la siguiente entrega, ¿quién creen que sea el próximo?






pretty, pretty star, only you remind me that you can olny find me...




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