domingo, 18 de septiembre de 2011

RUSSIAN CIRCLES

Después de un mes de no tener novedades por aquí, aprovecho esta mañana de Sábado nublado para compartir esta banda que ya lleva un par de años tocando y que hasta hace poco escuché.

Power trío proveniente de Chicago, de nombre Russian Circles. Desde el 2004 se encuentran dentro de los terrenos Post-rockeros con buenas de dosis de buen metal. Hoy les hablaré un poco sobre este que es su más reciente placa, titulada Geneva (Suicide Records, 2009), lanzado hace dos años, predecesor de extraordinario Station (Suicide Records, 2008), publicado un año antes.

Algo de lo que me encantó de esta formación, que si bien no brilla precisamente por contar con algún elemento que los haga diferentes a otras propuestas del genero, es la intuición con la que se van dejando fluir durante cada corte que conforma este genial trabajo. Con un sentido totalmente rockero estos tres son capaces de sumergirnos en atmósferas elaboradas con instrumentaciones austeras pero realmente efectivas, en las que la intensidad va en aumento conforme avanza cada melodía. Sin caer en lo predecible dan muestra de los recursos que poseen y la imaginación compositiva que pueden llegar a obtener juntando sólo estos tres instrumentos básicos; bueno agregando de vez en vez un teclado.

Tomándose su tiempo entre cada pasaje de atmósfera reposada, aunque teniendo el tacto como para no ser redundantes, o no  dar una errada impresión en cuanto a lo que ellos hacen; ya que lo suyo es lo inmediato, esos riffs que caen de manera directa, sin pretensiones, Mike Sullivan guitarrista de la banda, es donde mejor explota toda su genialidad y nos brinda muy buenos momentos en verdad. Fundiéndose de manera perfecta con ese bajo bien denso y distorsionado, por momentos pareciera que sólo están improvisando, explotando súbitamente o de manera fraccionada y volver a la calma o simplemente terminar en lo más alto.

Con mucha más dosis guitarrera que su predecesor, desde la inaugural Fanthom se nos devela el mood de este su tercer esfuerzo de estudio; aguerrido, manteniendo de manera acertada aquellas líneas melódicas de corte más atmosférico propias del genero. Sin dar tregua o mostrar puntos flojos a lo largo de este trabajo cierran con la que es la pieza más larga del álbum, de nombre Philos, que se distingue por no alcanzar aquellas intensidades propias del corte de da nombre al disco o la explosiva Malko, que si bien se desarrolla de manera in crescendo, posee una vibra alegre y se mantiene contenida, a medio vuelo, sin embargo se mantiene ahí por más tiempo, y nos brindan un final también reposado, contrastando con lo que fue todo el conjunto.

Ojalá disfruten de este intenso y explosivo disco, para todo amante del buen post rock y que a su vez sea metalero de corazón!!





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When the mountain comes to Muhammad

jueves, 4 de agosto de 2011

DEVIN TOWNSEND PROJECT

Ah que gusto da en verdad encontrar obras tan bellas e irrepetibles como esta; únicas, atípicas. Testimonio fiel de un momento en la vida de alguien, en este caso, un artista en toda la extensión de la palabra. Claro reflejo de una madurez creativa alcanzada, fuera de toda pretensión lucrativa. Sin lugar a dudas resultado obtenido, primeramente de una amplia búsqueda, saciar aquella sed primigenia de distintos sonidos, alimentar la creatividad, para que no haya lugar a las propias limitaciones, y así después dar rienda suelta a la creación, sólo fluir sin importar hasta donde se pueda llegar.

No se si ustedes tengan entre sus colecciones personales, discos de esta naturaleza, obviamente no dudo que la gran mayoría de los que visitan este espacio puedan citar más de diez discos como mínimo que consideren obras cumbres en las carreras de algún grupo o solista. Sin embargo, el punto que quisiera yo destacar aquí es, - ¿que cuando aquel grupo o solista es capaz de concebir un álbum totalmente alejado de aquellos sonidos por los cuales es reconocido y admirado, y más aún, hacerlo de manera soberbia? - Apuesto que aquella lista que cada uno de ustedes tenía en mente se ha reducido considerablemente, cierto?

No se acongojen que sin duda, este álbum formará parte de aquella selecta lista. Pues se trata nada más y nada menos que, del canadiense Devin Townsend, fundador de una de las bandas de metal más extremo que han llegado a mis oídos de nombre Strapping Young Lad, y cuando digo extremo, no sólo hablo de la pesadez en las distorsiones de las guitarras, o en lo gutural de su voz, eso lo puede lograr cualquier banda metalera, sino por su manera tan desquiciada y virtuosa de tocar; de cuando la genialidad se pone al servicio del metal.

En el caso de la recomendación que hoy nos compete, no hablaremos de aquellos riffs hipermegaveloces que es capaz de manufacturar semejante individuo, de hecho ni siquiera de su personalidad (relativamente poco fue diagnosticado con desorden bipolar) tan peculiar y la forma en que se desenvuelve arriba del escenario. Comenzaremos por decir que el titulo del disco del cual les hablo, es Ghost (2011, Hevy Devy, InsideOut Music), cuarto y último de la serie dentro de la discografía de este Devin Townsend Project. Vale también agregar que el mismo día que vio la luz esta singular joya, de igual manera lo hacía la tercer pieza de esta misma colección, el también impresionante Deconstruction, en el cual navega por sonidos más habituales dentro de su obra.

Para entrar en tema quisiera señalar que al escribir esto, previamente he leído un par de reseñas sobre este disco en algunos sitios especializados, y algo de lo que me llamó la atención es que aquellos artículos parecen haber sido escritos por personas que suelen escribir sobre otro tipo de música, metal para ser más específico;  y esto resulta una pena porque no le hacen justicia en lo absoluto a esta gran obra, incluso hubo quién llego a calificarlo de lineal, - cosa totalmente errónea para mí -. Y es que todo el conjunto resulta una suerte de música ambient, folkie - acústico, new age salpicado de sutiles arreglos a cada segundo. Es cierto que su duración supera los sesenta minutos, sin embargo, gracias a todas las capas con las que fue revestido, no resulta aburrido o monótono en lo absoluto. Por lo tanto no es demasiado el afirmar que estamos ante lo más arriesgado que ha hecho hasta ahora a lo largo de su trayectoria el señor Townsend y que sin duda muchos de sus más fieles seguidores no lo verían con buenos ojos precisamente.

Afortunadamente para todos los demás, eso poco le importó al canadiense, al que no le es suficiente sólo la pesadez del metal para exteriorizar su muy particular universo sonoro y nos demuestra que tiene refinados gustos musicales, y más aún, que sabe como hacerlos suyos al darles una muy interesante re-interpretación, y es que nos brinda una docena de bellas composiciones dotadas de aquella frescura que sólo se obtiene al dedicarle el tiempo para que vayan tomando alma propia y es que la pieza Blackberry, que escogí para ilustrar mejor este material del que les estoy hablando engloba perfectamente el mood en el que perfectamente se pasa de ritmos totalmente ambientales semi lentos para subir más el animo, como es el caso y llevarnos a los terrenos del folk con una guitarra acústica bastante alegre y coros femeninos incluidos, y así nuevamente pasar a un estado contemplativo en el que los instrumentos de viento pasan a primer plano, revestidos con sonoridades propias de algún bosque, teclados fantasmales y cantos que desvanecen suavemente entre toda aquella mezcla.

Pues bien ya prolongue bastante esta reseña, ojalá los haya convencido y ya estén bajando esta joyita, y sea motivo para que se adentren en el trabajo de este señoron, que ha hecho cosas bastante interesantes y desquiciadas, disfrútenlo!!!








The trees are calming down...



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lunes, 30 de mayo de 2011

I'M HERE

Hace un par de semanas tuve la oportunidad de ver, por recomendación del buen Chaneke lo que es el penúltimo cortometraje escrito y dirigido por el norteamericano Spike Jonze titulado I'm Here (Absolut, 2010); al poco tiempo también publicaría otro   inspirado en la más reciente producción discográfica de los canadienses Arcade Fire de nombre Scenes from the Suburbs, algo que no sorprendió mucho ya que él mismo había elaborado el videoclip del primer sencillo de dicho álbum. 

Tomando en cuenta la filmografía del también productor, podemos notar enseguida que cuenta con todos los elementos de su siempre particular propuesta audiovisual. Desde la musicalización discreta pero evocadora, hasta esos planos saturados de luz; incluso en la fotografía, las tonalidades empleadas me parecen las mismas que se eligieron para el que ha sido su último largometraje, el en mi opinión irregular Where the wild things are (Warner Bros, 2009).

 Desde mi punto de vista y concordando con un articulo que leí al momento de escribir esto, I'm Here me parece una revisión bastante sutil y acertada sobre aquel mito de la femme fatale. En el que, no con pocas similitudes a los protagonistas de aquel gran film del 2004 del frances Michel Gondry, Eternal Sunshine of the Spotless Mind, donde nos presentan una pareja conformada por dos personalidades totalmente distintas; en la que mientras la mujer es impulsiva, extrovertida y fiestera, el hombre es reservado, poco expresivo y de visitar lugares más bien tranquilos. Y que en algún momento sin quererlo, ella va consumiendo a su pareja, en su supuesto afán de llevar una vida intensa, dejándolo prácticamente sin nada.

En este caso la acción se desarrolla en un L.A. ficticio, en el que conviven de manera normal (es un decir) robots y humanos, y nuestros personajes principales, por supuesto están del lado de las maquinas. Si bien por un breve momento me llamó la atención esta incógnita de cómo sería una relación sentimental entre dos robots y por otro lado, el tono en que se daría la interacción entre éstos y las personas (si serían meras herramientas, o esclavos, y si se diera algún tipo de discriminación). En este último apartado, se nos presenta  un visionado bastante atinado en cuanto a credibilidad ya que todo el corto se desarrolla de una manera bastante fluida, dejando de lado este aspecto, para plasmar una puesta en escena que gana por la naturalidad con la que se desarrolla y concentrarse de lleno en aquel par.

Respecto a los protagonistas, otro aspecto que acentúa aquellas diferencias respecto a ambos, es el diseño o modelo que presentan en el chasis, ya que en el caso de la robot podemos notar que la forma de todas las partes de su cuerpo buscan una similitud al de un humano, mientras que con el robot no del todo, incluso su cabeza parece un mero CPU de computadora de escritorio de modelo antiguo. Todos estos detalles creo que a final de cuentas, buscando esa cercanía con los sentimientos humanos (vaya paradoja), logra que el espectador se ponga en la misma sintonía, y más aún, ya terminada la historia, construye un puente para la reflexión personal (no necesariamente) sobre como llevamos a cabo nuestras relaciones en sus distintos niveles, porque si bien mucho de lo que se nos presenta a lo largo de esta historia, desde mi punto de vista la premisa es sobre las decisiones personales y hacia donde nos van llevando, también no hay que dejar de lado ese otro lado, en el que dichas acciones afectan a aquellas personas que están cerca, y que incluso muchas veces no las tomamos mucho en cuenta, así como también nos pudieran afectar a nosotros. Algo así como recordándonos que a fin de cuentas no somos ajenos del todo unos de otros.

Haber que les parece, fue publicado en youtube en tres partes de 10 min. aproximadamente cada una, les dejo la primera, al terminar, en los videos relacionados aparecerán las siguientes dos partes.


miércoles, 27 de abril de 2011

LA CARRETERA

Por René...





LA CARRETERA

Empezaron a encontrar junto a la carretera algún que otro pequeño mojón de piedras. Eran señales en idioma gitano, pateranes perdidos. El primero que veía en bastante tiempo, comunes en el norte a medida que salías de las ciudades saqueadas y exhaustas, mensajes sin esperanza para seres queridos desaparecidos o muertos. Todas las provisiones de comida se habían agotado ya y el asesinato reinaba en la región. El mundo al poco tiempo poblado mayormente por hombres que se comían a tus hijos ante tus propios ojos y las ciudades en poder de bandas de atezados saqueadores que abrían túneles en las ruinas y salían reptando de los escombros blancos de dientes y ojos con bolsas de malla repletas de latas chamuscadas y anónimas como compradores salidos de los economatos del infierno. El blando talco negro barría las calles cual tinta de calamar desparramándose por un lecho marino y el frío se pegaba al suelo y oscurecía temprano y los carroñeros al pasar con sus antorchas por los escarpados desfiladeros dejaban en la ceniza hoyos como de seda que se cerraban silenciosamente a su paso como ojos. En las carreteras los peregrinos se derrumbaban y caían y morían y la tierra yerma y amortajada iba rodando hasta el otro lado del sol y regresaba sin dejar huella y tan inadvertida como la trayectoria de cualquier mundo hermano sin nombre en las inmemoriales tinieblas de más allá.


*Fragmento libro "El Camino", aut. Cormac McCarthy, Edit. Debolsillo, pag.134-135.



La carretera es el nombre de este libro escrito por Mccarthy Cormac quien también en su lista se apunta Sin lugar para los débiles, libro que fuera adaptado al cine por los hermanos Coen.

La carretera nos cuenta la historia de un hombre quien junto a su hijo, viajan al sur a través del territorio norteamericano en un mundo post-apocalíptico donde prácticamente todo se esta muriendo, tratando de sobrevivir el día a día, llevando sus pertenencias y provisiones en un carrito de supermercado. Escondiéndose de bandas de caníbales y ladrones en ambientes extremadamente fríos y grises.

Mccarthy no nos cuenta en ningún momento como paso el desastre, suelta algunas pistas pero nada concreto, pero no por eso le resta interés a la historia. El libro desde las primeras páginas envuelve en una atmósfera oscura y una realidad tan pesada, que pone al lector a cuestionarse sobre, si, real mente vale la pena seguir con vida en un lugar donde no se avista la esperanza y en cualquier momento se puede morir de la manera más cruel. Su manera poética de embellecer hasta los parajes más infernales es real mente sublime, dos almas que están solas en la carretera dependiendo una de otra, los recuerdos de uno, el padre, son su tormento y zancadilla emocional a su muy abatida alma. El otro, el niño, añorando un mundo que se extinguió, y llevando valores morales que van siendo asesinados cruelmente por las circunstancias.



Maccarthy comento que este libro lo escribió durante una época muy dura en su vida, donde vivía en condiciones muy humildes junto a su familia. El ver a su hijo pequeño y saber si podrá protegerlo de este mundo hostil que tiene el poder de tragarse a cualquiera, y eso en el mejor de los casos, ya que la prostitución infantil, el esclavismo y el tráfico de órganos están imparables. Temas muy tocados en “BIUIFUL” esta última película de Alejandro González Iñarritu. La carretera es una bella metáfora de nuestros días, donde puedo ver que el ser padre, no es nada fácil ya que todo esta en contra de ellos y como enemigo numero uno, el tiempo. 



- ¿donde están los buenos?
      - escondidos unos de otros… 


*Les dejo el trailer de la adaptación que se hizo para cine, por si tienen curiosidad de verla.


martes, 26 de abril de 2011

LOS DORADOS

Ya que estamos en esto de la música nueva, desde esperadísimos retornos hasta otros que siguen dando continuidad a una trayectoria, ya sea para ir forjando una carrera o para reafirmarse dentro del panorama musical. Un gran álbum de reciente publicación que se me había pasado compartirles, es esto de parte de Los Dorados, banda capitalina que después de tres años de haber puesto a la venta el más free jazz En Incendio, repite con la casa disquera Intolerancia y publica a principios del segundo trimestre del año esto de nombre Good Evil.

Cabe destacar el esfuerzo de esta agrupación que también forma parte de toda esta generación de talentosos músicos que cada vez van teniendo más presencia en la radio, así como en foros o festivales, que desde su Lp no dejan de abrirse paso, dando constante difusión a su obra, y no sólo eso sino buscando en cada entrega, ampliar sus horizontes ensanchando su abanico sonoro, dándole ese toque ecléctico que en este nuevo trabajo nuevamente se apoya de otras vertientes.

En esta ocasión la lista de invitados no fue tan amplia como en el caso de su predecesor, que contó con la participación de lujo del vietnamita - estadounidense Cuong Vu, trompetista que ha colaborado con nada más y nada menos que David Bowie, más otros tantos destacados. De hecho para esta oncena de melodías sólo se requirió la presencia del buen "Chema" Arreola, y no para hacerse cargo de la batería sino recitando a manera de spoken word un breve texto de nombre "Robapalabras". Algo que también llama la atención es que nos encontramos la cara más reposada del grupo, con un aire muy intimista, incluso introspectivo en grandes lapsos, en los que se le da un respiro al apartado de los instrumentos de viento a cargo de Daniel Zlotnik, para dejar en primer plano a las cuerdas, optando por lo acústico para darle un toque más orgánico a cada corte. Con este tipo de detalles la propuesta, más que Free jazz se puede considerar Experimental, incluso en la pieza Here comes the sound, en la que se da la colaboración antes mencionada de uno de los hermanos Arreola, el Dj Rayo elabora una base rítmica bastante interesante, con un toque bastante callejero apoyada por el bajo de Carlos Maldonado.

Siguen estando presentes aquellos pasajes totalmente ácidos, hipnóticos que van envolviendo poco a poco, como lo es en caso de Indie Gente. Piezas que parecieran ser meros ejercicios introspectivos, dejándose llevar por la improvisación pura en El Resplandor o Solariego. O la sabrosura tóxica de Toña recordándonos las noches bohemias de cabaret.

Enhorabuena por este cuarteto que todavía tiene mucho que decir en la música, no olviden estar pendientes de sus presentaciones, por cierto, para Junio estará en la cuidad Alonso Arreola y su proyecto solista dentro del marco del FIM, para que no falten, habrá oportunidad de hacerse de su más reciente producción, y pues lo más importante que es ver en vivo a uno que es de los mejores, sino el mejor bajista mexicano hoy en día.



Robapalabras; mas bien y menos mal... 


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domingo, 24 de abril de 2011

DREDG

Cuando recién comenzaba este blog, la segunda publicación fue el que era en esos días lo último de Dredg, publicado en el 2009 de nombre The pariah, the parrot, the delusion. En aquella ocasión hice algunas observaciones respecto a los elementos que formaban parte del sonido de la banda en aquel disco. Sobre todo a que la banda mostró una cara con inclinaciones por momentos más francas hacia las sonoridades electrónicas, dejando de lado aquellos arreglos majestuosos de cuerdas o vientos que tantos considerábamos distintivos dentro de la propuesta de los californianos. Sin embargo fue un muy buen trabajo, y demostraron que había talento como para reinventarse e intentar cosas nuevas sin la necesidad de seguir repitiendo lo hecho anteriormente.


Para este 2011 regresan de nueva cuenta con esta, en mi opinión atípica obra desde la portada misma, titulado Chuckles and Mr. Squeezy. Desde el lapso de tiempo que se tomaron entre un disco y otro para la creación del mismo, que anteriormente era una media de cuatro años y en este caso fue solo de dos, hasta el resultado final de las grabaciones, pareciera que los integrantes del grupo se propusieron hacer todo de manera muy diferente.

De hecho hasta este momento, una vez que tuve oportunidad de escuchar todo el álbum a lo largo de la semana, aún sin haber salido a la venta, gracias a la magia del Internet, y a que me dio el aviso el buen Alfredo, lo que más podría destacar es ese valor que tuvieron al arriesgarse con este nuevo capitulo en su discografía. Ya lo anunciaban hace un par de meses vía facebook, más aún lo íbamos confirmando con  las dos canciones que subieron para escuchar de forma gratuita, y definitivamente no vacilaban al afirmar que nos encontraríamos ante algo totalmente desconocido para los seguidores del cuarteto norteamericano.

Francamente yo aún no se si es de mi agrado o no dicho álbum, porque siendo justo no se trata de un mal disco, sin embargo tratándose de Dredg, me vienen sentimientos encontrados, ya que no entiendo el porque decidieron optar por este cambio tan drástico, sobre todo teniendo en cuenta el historial de la banda, y el par de obras maestras que significaron Leitmotif (1998) y más todavía El Cielo (2002), el que para mí fue concebido en un total estado de gracia de sus creadores; una obra tan hermosa, tan rica en todos sus aspectos, cuyas capas son infinitas y encierran incontables secretos esperando ser descubiertos por el que la contempla en todo su esplendor, en toda su grandeza y que será muy difícil de igualar en un futuro.

No sé si la crítica especializada o los fans influyeron en dicho cambio, o si simplemente significó el paso natural a seguir por su parte. Yo podría afirmar si no fuera por el distintivo timbre de voz de Gavin Hayes, que se trata de otro grupo, ya que se percibe un sonido más compacto, incluso austero, con una integración mayormente uniforme de bases electrónicas, incluso en la batería del genial Dino Campanella, que suena mucho muy contenida, hasta optando también por lo sintético en afán de lograr un sonido más sofisticado tal vez. Otra cosa que también se extraña y a la vez es extraño es que no haya aquellos pasajes instrumentales en los que la desde siempre característica guitarra de Mark Engles se deje escuchar desbordándose una y otra vez.

En verdad es demasiado para mí, no lo entiendo, ya quiero tenerlo en físico e ir juntando todas las piezas que faltan. Tengo muy en cuenta que obviamente la evolución que tiene toda agrupación a lo largo de su carrera los puede llevar por caminos insospechados, sobre todo en una de esta naturaleza; en este caso hablamos incluso de un cambio de géneros en los que se mueven, la guitarra si bien tiene el sello impreso de Engles, los efectos que utiliza son otros, sus arreglos son otros. Las estructuras de las canciones son más tradicionales, por lo tanto la dinámica en cuanto a las composiciones también. Como les dije anteriormente no me parece un mal disco, y si he notado muchos detalles interesantes, como la acústica Kalathat que contiene unos discretos slides con guitarra eléctrica relajantes. Incluso el disco cierra muy bien con la triada Sun Goes Down, Where I'll End Up y Before It Began. Así como también contiene un par de cortes que francamente no me agradaron en lo más mínimo y es que emplean unas bases electrónicas que me recuerdan a lo hecho por Chris Cornell en el horripilante Scream. No está de más también el mencionar que decidieron incluir un corte que ya tienen tiempo tocando en vivo y que formó parte de set-list de aquel gran concierto que grabaron y publicaron con el nombre Live at the Fillmore, en la que agregaron coros. En fin, se percibe también un grupo más maduro, con un sonido más reposado, la influencia del productor Dan The Automator (Gorillaz, Kasabian, etc) es notable, ya que no sólo se hizo cargo de las consolas, sino que tomó parte activa en la composición de algunas canciones, el mismo Gavin Hayes lo dice en un articulo publicado en la pagina de la banda, en el que describe el nuevo sonido como "Dark pop"; habrá que ir asimilando esta nueva faceta de Dredg y estar atentos.

Al casi ya terminar este escrito escucho de nueva cuenta el antes mencionado El Cielo y me sigue sonando tan fresco, totalmente atemporal, los títulos de cada melodía, cada elemento conviviendo en perfecta armonía, perfecto para ausentarse de todo y viajar muy lejos. Prometo escribir sobre el y darles mis impresiones pronto.



Get up, get up on your feet...



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martes, 19 de abril de 2011

SAN PASCUALITO REY

Por fin desde hace un par de días está circulando el más nuevo material discográfico de los capitalinos San Pacualito Rey, estrenando alineación, que si bien ya tenían tocando ya algún tiempo, en estudio no se habían puesto a grabar, y por lo tanto la incógnita en cuanto a los talentos de nombres de la talla de Alex Otaola (guitarrista, por enésima mencionándolo por aquí) y Luca Ortega (batería, percusiones) pudieran aportar al sonido de la banda, al menos creo que no sólo para mí, era grande.

Valiente es el nombre y previamente se habían publicado dos cortes para su promoción; Salgamos de Aquí y Carne Abierta. También en no pocos conciertos que ofrecieron desde antes del Vive Latino, ya un par más de canciones, Si te vas y Sin precaución, formaban parte del set que tocaban. Se supone que desde finales de Marzo sería puesto a la venta, sin embargo por razones que desconozco, fue hasta el evento antes mencionado Vive Latino, celebrado hace dos fines de semana que así sin previo aviso, en algún stand dentro del festival, se podía adquirir (con robo de mercancía incluido).

En cuanto a mis impresiones, después de las primeras escuchas, puedo decirles que noté varias novedades, por supuesto el inconfundible sello Otaola se puede notar desde las primeras notas, fusionándose a la perfección al estilo de los Pascuales. Honestamente yo si creí que sería muy drástico el cambio, ya que el estilo del anterior guitarrista Adolfo Castañeda le inyectaba muchísima personalidad a la propuesta de la banda. Otaola en algún entrevista llegó a mencionar que el mismo Adolfo fue quién lo contacto para proponerle que fuera él quién lo supliera en las seis cuerdas al momento de su salida. En cuanto al apartado de la batería, también es notable el trabajo que realiza el señor Luca. En lo personal, recuerdo una tocada hace poco más de dos años o tres que tocaron por acá en Guadalajara ya con Luca tras los tambores, de hecho tenían muy poco de haberlo integrado a la banda, y en aquella ocasión no me agradó mucho, en el sentido de que la diferencia en cuanto a su forma de tocar y la del anterior bataco Juan Evers era grandísima, ya que respecto al primero se nota una personalidad de baterista como tal, más punch, más rockero por así decirlo; en cambio si prestan atención a la batería en los trabajos anteriores de San Pascualito Rey notarán que los arreglos son más de bajo perfil, más de detalles discretos, sutiles, que a mí me gustaron  sobremanera en el cierre de su anterior disco Deshabitado en Una esquina en el mar o No hay nada por ejemplo. Por lo tanto en aquella tocada no vi con bueno ojos aquel cambio, sin embargo con gusto hoy puedo decirles que también en este caso el sonido del grupo ha ganado.

Se nota un Pacual (vocales, guitarra) más suelto en su forma de cantar, más confiado, con sus tradicionales composiciones. Esa atmósfera algo sombría que danza de manera armoniosa con aquellos ritmos guapachosos. Ecos de Javier Solís deslizándose entre guitarras distorsionadas, instrumentaciones que nos remiten alguna noche de cavaret, mientras la estridencia de algún solo de guitarra se desborda en el infinito. 

En general me parece un muy buen disco, francamente no quisiera compararlo con sus anteriores trabajos, prefiero seguirlo escuchando e ir descubriendo todo aquello que encierra. Por el momento mis favoritas instantáneas fueron Pájaros negros, Si te vas y Que pensar en tí; esta última siento que si en un futuro la lanzaran como sencillo, tiene mucho potencial para convertirse en todo un trancazo en la radio, con un ritmo sencillamente muy agradable, guitarra acústica de base, alegrona, estribillo que se te queda grabado, muy buena en verdad. Una que también llama la atención es Todo se cae, con un ritmo más netamente rockero, en la que el señor Pacual se anima con una manera distinta de cantar, y hasta utilizando un efecto en la voz; guitarrera, de hecho aquí los Pacuales bien podrían pasar por otro grupo, podría decirles que es algo así como la equivalente de Flush del Sufro Sufro Sufro.

También creo que la dosis de esos ritmos sabrosones, siguiendo la tendencia de su predecesor, se sigue atenuando, aunque igual sigue habiendo buenas canciones para ponernos a mover el bote, en mi caso torpemente, pero esa es otra historia, haber que les parece, espero sus opiniones.



Si te vas, vete gritando, quiero saber que me quisiste que me vas a extrañar...



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jueves, 7 de abril de 2011

ALEJANDRO OTAOLA

Ya tenía algún tiempo prolongando esta recomendación, sin embargo pareciera que lo acontecido últimamente por la ciudad me dijera que ya era tiempo de terminar este texto para compartirlo con ustedes. Y es que el Viernes pasado se dio por finalizado el Festival Internacional de Cine en Guadalajara 2011, con su respectiva sección de premiaciones y ceremonia de clausura, - ¿porqué mencionarles esto? - pues porque en una de las secciones de reciente creación dentro de los eventos organizados para dicho festival, de nombre "Al son de cine", el Miércoles  pasado, todos los que vivimos relativamente cerca del área metropolitana del estado, y algunos que no también, tuvimos la oportunidad de presenciar el show montado por Alex Otaola, específicamente para la serie de presentaciones audiovisuales que se llevaron a cabo en la Cineteca nacional, localizada en el Distrito Federal, de nombre "Cine mudo al ritmo de rock", en la que participaron gran cantidad de artistas de la talla de José Manuel Aguilera, Los hermanos Arreola así como el mismo Otaola, sonorizando en vivo con su muy particular estilo algunas celebres películas de aquella época en la que el cine no contaba con diálogos hablados por parte de los interpretes.

Hace aproximadamente poco más de un mes, me encontré en la sección "Ángel exterminador" del periódico Público un breve entrevista que Hugo García Michel le hizo al guitarrista, respecto a las primeras dos presentaciones que se habían llevado a cabo en la cineteca. El comentaba que la razón por la que se le había pedido repetir el numerito, fue debido a que gustó tanto la primer presentación que decidieron plasmar todo aquel espectáculo, pero no sólo eso sino pasarlo a formato de disco compacto y regalarlo a la gente en diversos puntos del Distrito Federal. Como verán nuevamente los que vivimos en otros estados de la República nos veíamos con escasas posibilidades, primeramente de haber asistido a aquellos eventos, y posteriormente a hacernos de dicho compacto. Sin embargo a las pocas semanas, la suerte parece sonreírnos  y el Festival Internacional de Cine en Guadalajara tuvo la atinadísima idea de traer a Otaola y compañía para que pudiéramos ser testigos de aquel evento antes mencionado.

Tratándose de este gran guitarrista, me da un enorme gusto nuevamente poder hablarles sobre él, que creo ya es la cuarta o quinta vez que se le menciona por acá, y es que afortunadamente para nosotros, Alex Otaola no para de trabajar, así como  de seguir creando, manteniendo esa dinámica tan suya y ser un nómada de la música, y no solo respecto a los géneros en los que ha incursionado, sino también de las personas con las que ha colaborado. Detalle que aunado a su enorme talento, nos ha hecho testigos de su creatividad e inventiva en sus diferentes facetas a lo largo de su trayectoria. En esta ocasión se trata de una integración de las que creo yo, son de sus mayores pasiones, que es el cine y obviamente la música. Si bien ya esto lo había hecho anteriormente con su primer trabajo como solista (y que por cierto también acá recomendamos), esta vez se trataba de una encomienda aún más específica; musicalizar de principio a fin una película rusa de fines de la década de los años 20´s, El hombre de la cámara, frente a un foro, en tiempo real.

Los resultados, ahora que tuve la oportunidad de presenciar aquello, he de decir que fue totalmente una gozada ver a Otaola ir y venir arriba del escenario, dirigiendo aquel ensamble conjuntado por algunos de sus más entrañables amigos. Si bien la mayor parte de la película traté de centrar toda mi atención en la misma, era inevitable el bajar un poco la mirada hacía el escenario y ver al ex-Santa Sabina tocando el piano o la guitarra, o dando señales a sus camaradas, que bien dicho sea de paso, se podía notar lo bien que la pasaban, logrando que aquella instrumentación encajara perfectamente con las imágenes proyectadas, yendo de pasajes suaves y delicados, a momentos de total delirio y desparpajo e improvisando en no pocos segmentos. En esta presentación si se contó con la participación del Dj Rayo, miembro de la banda Los Dorados, ya que en la entrevista antes mencionada, Alex comentaba que al momento de la mezcla de la grabación de la presentación en la Cineteca, se agregaron algunos elementos de tornamesa, así como samplers para enriquecer el resultado final.

Si bien es cierto que no estuvieron exentos de complicaciones técnicas, fue un gran evento en verdad, de esas cosas que la gente realmente agradece, y que para cerrar con broche de oro, regalaran aquel disco, fue para que todos los presentes nos fuéramos de ahí con una sonrisa de oreja a oreja.




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lunes, 14 de marzo de 2011

SHINING

Después de un buen tiempo de letargo por acá, les traemos esta recomendación proveniente de Suecia, que ya tienen algún tiempo haciendo música, sin embargo para no variar, yo hasta hace poco escuché de ellos en una inusual lista de los mejores lanzamientos del año pasado, la cual por cierto no he terminado de revisar, principalmente porque de la lista de cuarenta títulos ahí publicados, solo sabía de la existencia de unos diez aproximadamente. El sitio se llama The Quietus, por si quisieran darle una checada al particular top del 2010 de este sitio.

De hecho esta banda, de nombre Shining (nada que ver con la novela de Stephen King, o la película basada en dicha novela, dirigida por Stanley Kubrick) me resulta algo así como una anomalía o mejor dicho excepción en cuanto a mis gustos, aunque no precisamente por el aspecto musical, ya que su propuesta que me resulta por demás atractiva, sino por aquello relacionado a su historial y cuestiones de su discurso como banda, y es que resulta que estos suecos, han desarrollado su carrera dentro de la escena Black, cuya presencia es mucho mayor por aquellos lados del noroeste de Europa, y por lo tanto han adoptando toda esa parafernalia propia del genero, con la cual no tengo algún tipo de afinidad  o gusto en lo absoluto y que incluso me declaro un neófito total del tema, que por ende no me nace el indagar respecto a los exponentes de este genero, no negando que tal vez gran parte de esto de deba a este prejuicio mío. Por lo tanto me resulta un tanto extraño el hablarles un poco de esta banda formada en 1996, más que nada por estas cuestiones extra musicales, que si bien el proyecto se encuentra en una etapa de depuración en cuanto a imagen y sonido, no son pocas las controversias en las que se han visto envueltos, debido en principio a las letras que promueven abiertamente el suicidio y la automutilación, así como de la gran violencia que se genera en sus presentaciones. Cuestiones en las que no entraremos en detalle aquí.

Para entrar ya en tema, primeramente quisiera describirles más o menos cual fue la sensación que tuve al escuchar por primera vez este trabajo de nombre Blackjazz (Indie Recordings, 2010). Y es que por tratarse de una obra con una gran cantidad de mala leche y locura desmedida, pero que a su vez esta dotada de tal genialidad e inteligencia para fusionar todo ese abanico de géneros, en la que los resultados son por demás sorprendentes y es que en mi caso, me hizo rememorar mis días preparatorianos, 2001 para ser exactos y el  inminente lanzamiento del octavo álbum de estudio de Slayer, el contundente God hates us all (American Recordings, 2001) bajo un contexto totalmente adverso, puesto que unos cuantos días antes se había perpetrado aquel lamentable ataque terrorista a la nación de las barras y las estrellas y el derribe de un icono, como lo fueron las famosas "Torres gemelas" del país norteamericano. El hecho de encargarlo primeramente (los discos de importación no llegaban tan rápido entonces), ya tenerlo en mis manos, abrirlo, ver aquella celebre portada y finalmente el escuchar a Tom Araya berreando a todo pulmón: "GOD HATES US ALL, GOD HATES US ALL!!", fue aquel escalofrío que empieza en la nuca y se expande por todo el cuerpo que enchina la piel. Esa sensación de exaltación, y de peligro, algo totalmente nuevo para mí en aquel momento (hay que recordar que era un joven imberbe todavía, entiendanme!!).

Precisamente esto mismo, tal vez no en la misma medida, pero esa sensación experimenté desde el inicio de la abridora The madness and the damage done de este extraordinario Blackjazz, que de forma inmediata me trae reminiscencias de los alemanes Atari teenage riot, con una fuerte dosis de industrial muy a la Ministry e instrumentaciones aún mas vertiginosas, pasajes repetitivos que crean atmósferas bien delirantes; agresión sonora a más no poder.

Sin artificios pretenciosos o virtuosismos estos suecos invitan al escucha a sumergirse en una vorágine siniestra de altos vuelos, con ese mood tan sombrío por compañía durante todo el viaje. Es una celebración a la música misma, que desborda intensidad y pasión por montones, para dejarse llevar, -¿emplean ritmos de jazz, beats techno-industrial, pasajes progresivos y atmósferas propias del doom en la misma canción? - eso ya no importa, puesto que lo de ellos es toda una orgía sonora sin concesiones, un descenso en caída libre. Honestidad brutal a cada segundo, no se buscan arreglos pomposos ni momentos solemnes; es sudor, sangre y sentimiento a todo momento. Incluso instrumentaciones totalmente minimalistas se dejan escuchar en algunos lapsos, para dar un respiro y seguir con el torbellino.

Para todo aquel que está en la búsqueda de nuevos sonidos con espíritu altamente rockero; no se espanten por esa facha de tipos malos que se cargan, aquí hay muy buena música señores, hasta con una versión realmente ácida de la inolvidable 21st century schizoid man de King Crimson para el final del disco como plus para los más exigentes.



You'll remember me when your worlds collide...





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miércoles, 23 de febrero de 2011

NAILBOMB

Ahora que toda esta semana he tenido y tendré bastante tiempo libre, al estar revisando noticias relacionadas con la música, me encontré una que me fue de particular interés, pues se relaciona con el incansable frontman de Soulfly, Max Cavalera, quién al parecer se encuentra preparando un nuevo proyecto nada más y nada menos que en colaboración con un personaje que forma parte de una generación digamos más actual del metal, ya que se trata del vocalista de la banda The Dillinger Escape Plan, Greg Puciato, que si bien yo les he perdido un tanto la pista en cuanto a lo que han hecho más recientemente, reconozco que han sabido relacionarse bastante bien dentro del circuito y previamente ya han firmado colaboraciones bastante interesantes, como es el caso del Ep que grabaron teniendo como invitado de lujo al no menos inquieto Mike Patton (Faith no more, Mr. Bungle).
En dicha noticia también se mencionaba un poco sobre el sonido en cuestión que se espera tenga como resultado dicha colaboración; que se trata de algo muy al estilo de lo hecho ya hace poco más de quince años con aquella efímera agrupación de nombre Nailbomb, otra de las no pocas formaciones paralelas que ha liderado el mismo Cavalera, aunque en este caso al lado del músico ingles Alex Newport, proveniente de la banda de post-hardcore ya extinta, Fudge Tunnel, en la cual se tuvo acercamientos más francos con el Industrial, obviamente sin dejar de lado los elementos Trash, especialidad de la casa. 
Precisamente para celebrar tan buenas noticias, vamos recordando, o para los que no habían escuchado de este peculiar combo, aquí se los compartimos. Se trata del explosivo Point blank (Roadrunner, 1995), que para sus grabaciones, estuvo plagado de nombres como Dino Cazares (Fear Factory, Divine Heresy, Brujería) o compañeros de la anterior banda del brasileño, Sepultura. Desde el inicio podremos apreciar una propuesta más directa, que de hecho va muy de la mano con la fotografía de portada - ¿ perturbadora, no? - resultado de aquella fusión de semejantes talentos, pero sobre todo de los estilos que manejan, ya que podemos identificar perfectamente las aportaciones que cada quien hizo para así engendrar aquella entidad de personalidad propia. Si bien es cierto que inevitablemente al escucharlo nos traerá reminiscencias de las bandas de las cuales provienen los artistas implicados, alcanza a salir bien librado, sobre todo por el tiempo en el que fue elaborado, en el que sino todos, la gran mayoría se encontraban en un gran momento, no sólo creativamente hablando, sino también en el nivel de la relación con su público, ya que disfrutaban de un gran respaldo que probablemente hoy en día no tienen.
También se percibe cierta libertad en cuanto a intentar cosas distintas, ritmos bastante densos y lentos, incluso hipnóticos, distorsiones más bien secas, pero con ese toque en los riffs que sólo el gran Andreas Kisser sabe dar, letras en portugués, denuncia social, mala leche, también rapidez, samplers; no le falta nada a este potente álbum. Ideal para dar batalla a mitad de semana, solo recuerden darla con personalidad, no con los puños, como alguien a quien conozco. Disfruten.




...help to blind me, trying to burn me




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lunes, 21 de febrero de 2011

LA PRINCESA DE MONONOKE

...Por René






LA PRICESA MONONOKE

Si tomo la palabra, no es para defenderme de los actos
de los que se me acusa, ya que sólo la sociedad,
que por su organización pone a los hombres en lucha

continúa los unos contra los otros, es la responsable.
Ravachol




Mi primer post del año, y lo que inspiro semejante peripecia, es este film de Hayao Miyazaki este señor que ya dejo huella en la historia de la animación, mejor conocido por el viaje de Chihiro que fue ganadora del Oscar. Al que James Cameron le robo gran parte de lo que se puede ver en Avatar argumentando que tenia el guión desde 1995, mucho antes de filmar titánic. Esto solo me recuerda una frase que decía una pequeña niña de ocho años cada que le contaba historias tan irreales que ni yo me aguantaba la risa
 “te voy a creer, pero no le digas a nadie que me hiciste mensa”

Esta historia comienza con un príncipe que tiene que defender a su pueblo de un demonio que lo amenaza, el clan Emishi. En la batalla  en la que se ve obligado a matarle, éste es herido y maldecido por el demonio que en realidad es un dios protector del bosque el cual le dejo una sentencia de muerte al ser expuesto a su rabia. Esto le lleva al príncipe Ashitaka a viajar a tierras lejanas en búsqueda de una cura para su maldición, que le consume cada que su corazón es ensombrecido por el odio. En su viaje tendrá que ser intermediario en un conflicto entre la ciudad del hierro y el clan de los lobos quienes protegen el bosque de la desmedida mano humana. Ashitaka deberá ponerle un alto al círculo vicioso de venganza y muerte.

Lo interesante de los films de Hayao Miyazaki es que no toma la salida fácil al plantear una situación, y profundiza en los personajes y el porque de sus actos, demostrando buen juicio con cada uno dejando mucha esencia en ellos. Al mismo tiempo mostrando sus posturas ecologistas y anti-bélicas, lo que es raro ya que es muy explicito al mostrar escenas de combate, mismas que la distribuidora Miramax quiso cortar para hacer mas comercial la película, Hayao respondió a esto, mandándoles una katana con un mensaje grabado en la hoja que decía “sin cortes” con esto quiero creer que el mensaje es obvio debido a la temática de la misma, los problemas se ven de frente y claro. Los problemas ecológicos no son el único problema, es sólo uno de los que toman turno en esa gran fila.

Llevo en la mente algunos días con la imagen (nada nueva) de un animal pisoteado por los carros en plena avenida hasta perder la forma de lo que fue un perro. Con sus extremidades aun peludas entre un contorno rojo demasiado difundido, que solo expresa lo bien que vamos contra todo… y todos. Muchos dirán que solo es un perro, uno mas uno menos, pero esa falta de responsabilidad, sensibilidad  y respeto por la vida, es la que nos esta llevando a ver tanta mutilación y desordenes sociales. La princesa mononoke nos muestra que la humanidad tiene grandes defectos individuales, y que mientras no los supere, no podrá vivir en armonía con las demás especies. Al mismo tiempo también nos muestra que mientras exista amor en el corazón de algunos, se tiene esperanza.

Les invito a que vean esta y todas las películas que puedan del maestro Hayao Miyazaki, la animación no son solo para niños, también enseña y educa a grandes.

Vengo para ver con claridad, sin odio…







   

sábado, 19 de febrero de 2011

RADIOHEAD

-Si ya se que había prometido subir algo muy distinto hace un par de días- pero fíjense que ayer por la mañana, leí una noticia sobre el nuevo lanzamiento de Radiohead y de que ya habían habilitado la descarga digital de su tan esperado nuevo álbum The king of limbs (poco más de medio día antes de lo previsto, creo) por la módica suma de nueve dólares en formato mp3 y catorce en wav. Así que me dí a la tarea de conseguirlo lo antes posible y poder escucharlo. Lo que me llamó la atención primeramente fue el número de cortes que conformaban el disco, ya que previamente no tenía otra información respecto al octavo trabajo de los ingleses aparte del título y la fecha de sus salida. Sólo ocho son las canciones que forman parte de esta nueva obra, dos menos que su predecesor y de hecho hasta ahora el que menos tracks ha contenido desde el ya mayor de edad Pablo honey (Parlophone, 1993), que fue puesto a la venta por estos días, hace dieciocho años.
Igual lo que nos importa aquí no es la cantidad sino la calidad, y tratándose de Radiohead, sabemos que la hay, y de sobra. A sólo casi un día de haberlo escuchado por primera vez y después una y otra vez, creo que puedo compartirles mis primeras impresiones, así como de ciertos detalles que pude notar.
De entrada, algo de lo que yo me pregunto, es, en el caso de una banda como esta, que prácticamente desde sus inicios ha tenido a medio mundo al pendiente de su música, que de manera sobradamente inteligente y talentosa supo desmarcarse del calificativo grupo "one hit wonder", dando bofetada con guante blanco a todo aquel que los conocía o que solo iba a sus conciertos esperando a que tocaran ese cuasi-himno de la llamada "generación X" que era Creep, al ya no incluirla más en sus presentaciones. Que para finales de los 90's, ya con un gran número de seguidores a sus pies después de la salida de lo que fue el clásico instantáneo The Bends (Parlophone, 1995), sorprendió a propios y extraños al abrir todo un mar de posibilidades y deshacer toda frontera entre el rock y lo electrónico con el Ok computer (Parlophone, 1997) y que posteriormente expandirían sus horizontes hacía los terrenos de la experimentación con aquellas exhaustivas grabaciones que darían como resultado los alucinantes Kid A (Parlophone, 2000) y Amnesiac (Parlophone, 2001) en el naciente siglo veintiuno, y que desde siempre han mantenido ese nivel y creatividad, no sólo para sus composiciones bien dicho sea de paso, sino también para llevar sus negocios, ya que nada más y nada menos, para el In Rainbows (Self-release, 2007) dio cátedra de como adaptarse a las nuevas formas de promoción y distribución de música en formato digital. Y que por si no fuera suficiente, para rematar esta conformada por personalidades tan dominantes e imaginativas como Thom Yorke o Jonny Greenwood, que a su vez están involucrados en gran número de proyectos simultáneamente. A estas alturas, -¿De qué otra forma podría sorprender?, y ojo no me mal entiendan, no con esto me refiero a algún tipo de exigencia estilo fan de hueso colorado o de crítico sabelotodo- si me preguntan, tan sólo al inicio de esta semana, me sorprendió el hecho de que así, sin haber proporcionado detalles previos o haber realizado una promoción como tal (sólo un par de canciones habían sido tocadas en algunos conciertos anteriormente), en tan sólo unos cuantos días podríamos disfrutar de este material hasta ayer inédito del que estamos hablamos, y aún así nuevamente provocar el revuelo, toda clase de comentarios y expectación, -ah!! y también publicar el vídeo del primer sencillo, Lotus flower-.
Teniendo esto en cuenta hablemos pues de este "Rey de las extremidades", título que posiblemente hace alusión a un gran árbol de roble, que se cree tiene mil años de antigüedad aproximadamente y se encuentra en el bosque Savernake Wiltshire, lugar cercano a donde la banda grabó su anterior disco. En mi opinión creo que este trabajo encierra muchísimos detalles, que sólo podremos notar poniendo toda nuestra atención en él, yo recomiendo unos buenos audífonos a un buen volumen y no hacer nada mientras se escucha. De hecho como unidad funciona mejor así, no es una obra para apreciar mientras se hace algo más, ya que está revestido de un gran número de sutiles capas que crean atmósferas realmente interesantes. Por ejemplo, en cuestión de las bases rítmicas, sobre todo en el apartado de la batería y secuencias de ritmos, me parecen toda una delicia; intricadas, minimalistas, hipnóticas, con ese toque que sólo ellos pueden lograr.
En esencia es más uniforme que su predecesor en cuanto al mood, no hay grandes cambios entre corte y corte, si bien algunas canciones tienen un tempo más acelerado que otras, la estridencia no se hizo presente esta ocasión. Se percibe un sonido reposado, mucho más cuidado, que a pesar de encontrarnos por momentos ante composiciones que podrían considerarse sentadas en bases netamente electrónicas y por lo tanto no contar con esa espontaneidad de rolas más guitarreras de trabajos anteriores, existe una organicidad e integración notable, en el sentido de que con el transcurrir de cada track, aunque una y otra posean  instrumentaciones totalmente distintas, no se pierda ese sentido de unidad, caso específico de Feral y Lotus flower, que si bien la primera es totalmente delirante, con todo un entramado de secuencias electrónicas que se van agregando in crescendo y no posee verso alguno, nos transporta de inmediato a esa línea bajo exquisita de Lotus Flower, que en cuanto a los elementos utilizados y su estructura es muy distinta, y sin embargo no desentona en lo absoluto; solo una de las tantas cualidades en la que se han hecho especialistas los de Oxfordshire a través de los años y por las cuales se siguen manteniendo vigentes.
En conclusión he decirles que, tomando en cuenta el gran historial antes mencionado de la banda, difícilmente nos encontraríamos ante una nueva gran evolución respecto a su sonido (o en lo que podíamos esperar), cuestión que por supuesto nunca descarto tratándose de Radiohead. Sin embargo también puedo decirles que efectivamente se trata de una gran obra de arte, en la cual se agradece que sigan dando rienda suelta a todas esas inquietudes que tienen, explorando, intentando nuevas cosas, con ese toque inconfundible que poseen, el cual dará mucho de qué hablar en las próximas semanas. Producido nuevamente por Nigel Godrich, espero sus opiniones, puntos de vista, haber que les parece, saludos.




...I will shape the sins into your pocket



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viernes, 11 de febrero de 2011

SCOTT WEILAND

Hoy concluye esta pequeña mini-serie de "vocalistas de grandes bandas en solitario" que ojalá haya sido de su agrado, si bien es cierto que hay muchísimas otras opciones para conformar otra tercia, que se antojaría tal vez más interesante, opté por estos tres ya que guardan ciertas similitudes entre sí, quizá musicalmente hablando no tanto, pero en cuanto a cómo se han desarrollado sus respectivas carreras si, aparte de que bien pudieran considerarse contemporáneos (unos años más, unos menos), y que casualmente los tres han tenido un reencuentro con sus respectivas bandas por las que sobresalieron más, recientemente, no está de más mencionar que a diferencia de Soundgarden y Stone temple pilots, The smashing pumpkins si sufrió importantes cambios en su alineación original una vez que se revivió el proyecto, ya que debido a una serie de eventos y declaraciones poco afortunadas por parte de mister Billy Corgan, la relación entre sus demás ex-compañeros y él, no quedó precisamente en buenos términos.
Entrando en materia, puedo decirles que este álbum es el menos accesible (musicalmente hablando) de los tres, pero no por esto significa que sea una obra menor y es que este primer trabajo como solista de este gran frontman tiene el merito de poseer un sonido totalmente apartado de lo que pudiera haberse esperado por parte de los seguidores de Stone temple pilots, incluso en el apartado de las vocales se da la oportunidad de intentar cosas distintas, inyectándole un aíre bastante personal al conjunto. Si bien no es un trabajo experimental como tal, ya que estructuralmente tiene una forma digamos tradicional, cuenta con instrumentaciones bastante peculiares que son de difícil asimilación en sus primeras escuchas, pero a la vez lo convierte en un álbum bastante rico en cuanto a sonoridades, que en su esencia, efectivamente como su título nos dice, 12 Bar blues (Atlantic, 1998), nos adentra en su particular visión ácidoelectroblusera con ese mood  bohemio, cabaretero, con toques surrealistas, y aún así nos deja ver ese lado sensible más relajado con grandes baladas en las que efectivamente no está ausente la guitarra acústica, como en la genial Where's the man.
En general una obra bastante interesante, que si bien queremos aventurarnos un poco podríamos decir que nos dice mucho de su autor, ya que en mi opinión se trata de composiciones realmente honestas; amores tormentosos, delirios, excesos y demás sentimientos están presentes aquí, ya sea en las letras o en la música, sin artificios, se deja su personalidad en cada canción. Todo un recorrido por distintos estados de ánimo, y de estilos, que hasta por ahí en la circense Lady, your room brings me down se da el lujo de mostrar ciertos guiños folk experimental a la Tom Waits, o hacer una breve parada en territorios más stonetemplepilotnianos, claro después haber tomado una buena dosis, en la explosiva Cool kiss.
En cuanto el recibimiento que tuvo al momento de su salida, las ventas no fueron precisamente buenas, a pesar de que fue bien visto por la crítica y medios especializados en su momento, una lastima.
Como conclusión puedo decirles que en lo particular se me hizo de llamar la atención todos esos detalles que comparten entre sí estos tres, hasta las portadas de estos discos prácticamente son iguales, - con la jeta del tipo en primer plano no?, por aquello de que el respetable no sepa de quién se trate - aparte que también los tres después de ver desintegradas sus bandas, integraron otras , que por los nombres que desfilaron en ellas bien se les podría dar el calificativo (Audioslave, Velvet Revolver, Zwan) de superbandas, - tan de moda últimamente -.
¿Con quién se quedan? Espero mañana mismo empezar con la versión habla hispana, que a muchos de los que me conocen, estoy seguro que por lo menos uno de los que conformará la tercia será muy fácil de adivinar o no??



...You make the world a better place to find




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miércoles, 9 de febrero de 2011

CHRIS CORNELL

Pues bien continuamos con esta pequeña serie de vocalistas de bandas famosas que se animaron a intentarlo en solitario.Para esta segunda entrega tenemos a otro grande, que, como en el caso de la recomendación de ayer, actualmente no se encuentra en su mejor momento musicalmente hablando, y casualmente también se ha reencontrado con todos lo miembros de la banda que lo vió crecer artísticamente, aquella legendaria agrupación proveniente de Seattle, que fue parte de esa efímera generación que surgió a finales de los 80's y no sobrevivió sino hasta finales de los 90's, cuyo principal semillero se encontraba en la localidad antes mencionada y tuvo como bandera el genero denominado grunge, les hablo de Soungarden y de su vocalista y lider Chris Cornell.
Dos años después de la ruptura definitiva de Soungarden, el también guitarrista lanzó su primer trabajo en solitario, titulado Euphoria morning (A&M, 1999) teniendo como primer sencillo promocional el extraordinario Can't change me, embarcándose en su respectiva gira de difusión. Como dato adicional, este álbum fue dedicado a su amigo, el también músico y compositor Jeff Buckley, el cual había fallecido de manera trágica en 1997, y que incluso la canción Wave goodbye fue escrita para el.
Si bien este disco estuvo muy por debajo de las ventas esperadas, cosecho muy buenos comentarios por parte de la prensa y medios especializados; en mí opinión creo que hasta el momento es lo mejor de su obra como solista, desde la inicial y antes mencionada Can't change me, nos encontramos con una buena colección de entrañables melodías, emotivas de principio a fin, no hay desperdicio aquí, un trabajo realmente solido en el cual podemos apreciar las influencias más arraigadas del señor Cornell. Aquella voz barítono nunca había sonado tan intensa, con fuertes dosis de R&B así como Soul, logra internarnos en aquella postal melancólica tan rica en instrumentación, en estado de gracia, un trabajo que no sólo para mí se ha convertido en un clásico de nuestros tiempos; han pasado ya más de diez años desde su salida al mercado y me sigue sonando tan potente y vital como en la primera escucha, todo un deleite que creo, el tiempo le dará el lugar que merece.
La verdad ni mencioné su otra anterior banda Audioslave porque realmente nunca llamó mucho mi atención durante su también algo breve existencia y pues de sus posteriores trabajos por su cuenta, pues uno me gustó a pesar de ser algo irregular y del último, Scream (Universal, 2009) solo puedo decirles que parece una mala broma al respetable, da pena ajena en verdad, ni hablar, definitivamente me quedo con el primero.
Como les parece hasta el momento la serie, ya sólo falta uno, por cierto también habrá una mini-serie con compositores de habla hispana, que esta de más decir que también hay grandes exponentes y no los pasaremos por alto.




...I know you'll be alright if you only come away to the moon



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martes, 8 de febrero de 2011

BILLY CORGAN

Que tal mis estimados, regresando del primer puente del año, es tiempo de una nueva recomendación, bueno de hecho será una pequeña serie de tres discos, en la que el común denominador es, que se trata de trabajos en solitario de vocalistas que forman parte de bandas que en algún momento fueron grandes o que por el momento no atraviesan por su mejor momento creativo, y que sin embargo por su parte entregaron resultados más que aceptables e incluso uno que por ahí pudiera tener categoría de clásico.
Para inaugurar esta triada de buenos discos, pues tenemos el The future embrace (Reprise, 2005) del para muchos gran (me incluyo, a pesar de algunos eventos en los cuales ha participado y que creativamente no se encuentra en su nivel) Billy Corgan.
Recordemos que en aquel año el señor Billy Corgan venía de dar por terminada su relación con sus compañeros de aquella efímera banda de nombre Zwan poco más de un año antes, que tuvo como fruto único el inusualmente optimista Mary star of the sea (Reprise, 2003), así como tiempo antes The smashing pumpkins habían desaparecido. Entonces bajo este contexto Corgan se embarca en este nuevo proyecto, el cual deja ver una cara menos rockera y más rica en elementos electrónicos y secuencias. Posteriormente él mismo comentaría que ésto fue con el afán de alejarse lo más posible de lo hecho en su más famoso anterior proyecto, que sí bien es inevitable el traer reminiscencias de los Pumpkins a sus antiguos fans, buscaba evitarlo al máximo.
También es cierto que este detalle de usar secuencias no era para nada ajeno al también guitarrista, que para las grabaciones en 1998 del oscuro y para muchos fallido (para mí excelente) Adore, habían perdido a su baterista Jimmy Chamberlin, que envuelto en un problema de drogas y una sobredosis que tuvo como consecuencia la muerte de otro miembro de aquella banda, el tecladista Jonathan Melvoin, fue a dar a la cárcel. Y para de algún modo sobreponerse a esas sensibles bajas dentro del seno de los Pumpkins, se optó por las secuencias electrónicas en algunos cortes y en otros hacerse de los servicios de otro baterista.
Sin embargo uno de los puntos más notables de este trabajo, es que la guitarra no toma un protagonismo, sino un papel armonizador, no hay solos o rastros de estridencia. Si bien es un álbum muy sui géneris podemos notar a un Billy Corgan muy en su elemento, que en mi opinión supera por mucho lo que hizo con Zwan, se le da muy bien esta faceta más electrónica, que entre los medios especializados cosechó criticas muy dispares, y en cuanto a ventas le fue medianamente bien.
Espero sus comentarios, para mañana esperen la siguiente entrega, ¿quién creen que sea el próximo?






pretty, pretty star, only you remind me that you can olny find me...




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lunes, 31 de enero de 2011

THE OCEAN

The ocean es una banda formada en Alemania, que anteriormente se hacía llamar The ocean collective y por la cual, hasta el 2002 pasaron más de cuarenta miembros diferentes, cuestión por la que su sonido se ha deslizado por un abanico muy amplio de corrientes.
El año pasado estuvieron muy activos, ya con una alineación más estable y lanzaron dos trabajos que fueron grabados simultáneamente, Heliocentric en marzo y este que hoy recomendamos Anthropocentric que salió al mercado siete mese después, en octubre.
Sin llegar a ser una gran banda, creo que definitivamente tienen mucho potencial y prueba de esto es esta genial obra, que en mi opinión es mucho más interesante que su predecesor, con bastantes pasajes sonoros con una vena post-metalera bien intensa y tintes progresivos que redondean aún más la propuesta. Con un vocalista entre sus filas que posee una buena técnica para cantar o gritar (Lois Rossetti), se logra un sonido bastante distintivo, estructuras no tradicionales en sus canciones, momentos con gran punch y melódicos alternando en perfecta armonía.
Yo les escuche por primera vez con el Precambrian (2007), y en aquel su sonido era más directo, incluso más convencional, aunque aún así el talento bastó para lograr sobresalir de entre otras agrupaciones similares.  Hoy en día explotan más su vena más experimental, que parece, les favorece considerablemente, y obviamente sin olvidarse de sus origenes; desde la inicial Anthropocentric, que da nombre al álbum podemos constatar eso y darnos cuenta que ya se encuentran siguiendo los pasos de bandas del gremio como Isis o Cult of luna, asegurando una continuidad en el género, esperemos haber que rumbos toman para sus próximas entregas, que estoy seguro sorprenderá a más de alguno. PRIMERA RECOMENDACIÓN METALERA DEL AÑO!!



...the myths of the martyrs have waned



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miércoles, 26 de enero de 2011

MONOCORDIO

Que tal amables lectores, luego de un breve tiempo de no postear debido a la falta de tiempo principalmente, pareciera que Enero lo estoy dedicando para aquellos discos que nomas no pude escuchar al momento de su lanzamiento el año pasado, y de hecho un par de los que se recomendaron hasta la segunda semana del naciente 2011 si fue así, pero lo del día de hoy no va bajo este contexto y sólo es mera coincidencia.
Este trabajo del que hoy les hablamos se trata de la más reciente placa de Monocordio, aquel instrumento de una sola cuerda de Dios para lograr un equilibrio en el universo; proyecto más bien personal del inquieto señor Fernando Rivera Calderón y que en vivo se hace acompañar de una banda cada vez más estable - El diablo es el ego de Dios -.
De este lanzamiento si había estado al pendiente personalmente, aunque no quería descargarlo, sino tenerlo en el formato tradicional, y ya que de repente no es tan sencillo adquirir obras de bandas de esta naturaleza (a pesar de que este proyecto va creciendo cada vez más, así como llegando a más oídos), no me fue posible tenerlo antes aquí para ustedes, bueno y si a eso le agregamos un poco de falta de entusiasmo de mi parte para conseguirlo, pues ya saben. Lo último que les digo es debido a que el pasado álbum de Monocordio, La verdad es una mentira en los ojos de quien la mira, me pareció, sin llegar a ser un mal disco, bastante menor a sus antecesores, La hora del tiempo (que anteriormente ya habíamos posteado aquí) o el Ep El primer rayo de sol, sin embargo para este nuevo capitulo en la trayectoria del también escritor Fernando Rivera, parece que retoma el  buen camino, sin llegar a la calidad de los dos antes mencionados, mejora bastante respecto a lo hecho en su predecesor; si bien es cierto que casi todos los elementos por los cuales se caracteriza la música de Monocordio, desde aquel divertido juego de palabras que emplea en sus composiciones y la honestidad con la que se expresa, a mi parecer, se siguen extrañando aquellos tintes bossa nova que hacían del plato una mezcla más rica y luminosa, o también aquellos temazos para bobos enamorados. Estoy de acuerdo que era de esperarse que no siempre la temática de sus canciones se mantendría por este sendero amoroso, pero como que si se extrañan al menos uno o dos cortes cuando menos, así bien felices, como sólo el señor Rivera sabe hacerlo.
En conclusión es un buen disco, menos luminoso que los primeros trabajos pero de que pasarán un rato agradable, eso si es seguro, haber que les parece a ustedes, disfrútenlo!!.



y es que ella brilla, ella brilla como un sol



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martes, 18 de enero de 2011

LUIS ALBERTO SPINETTA

En vísperas del cumpleaños número 61 del argentino Luis Alberto Spinetta, es de un gusto enorme el escucharle; sus versos de gran calidad poética, así como su estilo bien marcado en la guitarra, elegante, con fuertes influencias jazzeras pero a la vez con ese espíritu rockero bien firme. Y hoy a cuarenta años que fue lanzado el primer disco en el que participó con su primera banda, Almendra, hasta lo último que ha grabado, hace dos años, ya como solista, Una Mañana, vemos que se mantiene en excelente salud creativa y que tiene mucho más que decir, con esa voz que parece no hacerle nada el paso del tiempo; un artista en toda la extensión de la palabra, que desde hace ya buen tiempo forma parte de ese grupo selecto sudamericano de cantautores, en el que sólo muy pocos poseen una discografía tan solida como la de este argentino.
He de confesarles que que hasta hace relativamente poco tiempo me puse a indagar en cuanto al trabajo del flaco, si bien contaba con vagas referencias, no había escuchado algo de su obra en concreto (si ya se lo que piensan, pero voy aprendiendo, ja!). El primer álbum que llegó a mis oídos fue el genial Pelusón of Milk que fue lanzado en 1991, el cual contiene temazos como Lago de forma mía o Pies de atril. Desde el principio me atrapó ese aire sutilmente misterioso, elegante, con momentos realmente muy rockeros, simplemente extraordinario.
Por otra parte, este Una Mañana, desde la inicial La mendiga se percibe una portentosa instrumentación,  un Spinetta en todo su esplendor, como cuando alguien se reencuentra con un viejo conocido muy entrañable, aquellos toques de jazz, con un teclado que se intercala con aquella guitarra tocada de manera reposada, sin prisa, todos aquellos detalles por los cuales el flaco es considerado uno de los grandes, están aquí, un disco realmente excelente, sin desperdicio alguno.



...Y sí la luna se cubre, no quiere decir que no tengas su luz



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