sábado, 23 de junio de 2012

MESHUGGAH

La espera de cuatros años terminó el pasado 13 de Marzo, por fin pudimos escuchar nuevo material de esta gran agrupación proveniente de Suecia. Y es que con cada nueva placa el quinteto se va haciendo de más adeptos, así como ganando el respeto de grandes exponentes que actualmente también elaboran un metal más intrincado, con estructuras poco convencionales.

En verdad que lo de Meshuggah es punto y aparte, ya que logran ir un paso adelante respecto a su anterior trabajo (Obzen, Nuclear Blast 2008), para su septimo y más reciente disco que lleva por nombre Koloss (Nuclear Blast 2012), se puede notar una gran diferencia en el trabajo de producción, en la que ellos mismos vuelven a hacerse cargo de las consolas, obteniendo así un sonido aún más organico y directo muy difícil de igualar.

Para este nuevo lanzamiento la agrupación nos presenta una decena de nuevas composiciones que casi llegan a los 55 minutos de duración en total en los que verdaderamente no hay desperdicio y en los que podremos constatar que verdaderamente nos encontramos ante unos colosos. Una propuesta similar a Meshuggah no hay, puesto que nadie como ellos para obtener semejantes riffs tan brutales, tan repetitivos a la vez en los que muchas veces no se sabe lo que está sucediendo y sin embargo uno quiere más y más.

Seguro que ha de ser interesantísimo atestiguar como es el proceso de creación para estos cinco, por lo tanto aprovecho para comentarles que incluyeron en la versión de lujo un documental donde nos dan una idea de como es que trabajan, que por cierto algún alma caritativa ya lo ha subido en youtube dividido en tres partes para quienes, como yo aún no se han hecho de una copia de este asombroso albúm puedan verlo. Respecto a este documental que les comento, podemos darnos cuenta por las complicaciones que se suelen enfrentar durante la etapa que es la concepción misma de la obra y la grabación, ya que el tempo en el cual se tenía pensado tocar la bateria para cierta canción, muchas veces no suele coincidir con el tempo en el que se están tocando de los riffs de la guitarra, entonces hay que hacer cambios para hacer cuadrar todo esto, por lo tanto mencionan que cada pieza del album se va elaborando de manera integral, para poder detectar este tipo de detalles desde el principio. Me parece algo extraordinario el como ellos mismo se hacen cargo de todo el proceso, y de como es que el baterista Tomas Haake se involucra en el aporte de ideas y como es que las presenta a sus compañeros, ya que no solo se limita a presentar algún patrón de beats a sus compañeros, sino que busca entre las cosas hechas anteriormente, algún fragmento de determinado riff (ya que no sabe tocar la guitarra) que se ajuste a la idea que quiere presentar a los demás y así es como realmente puede llamar la atención de ellos, buena idea no?.

Desde la inaugural I am colossus nos muestran ese poderío sonoro que pueden ser capaces de desplegar con guitarras de ocho cuerdas, y teniendo como vocalista a alguien como Jens Kidman, poseedor de una gran voz. Personalmente creo que esta pieza no es más que una declaración de principios; como dejar en claro de con quienes tratamos, francamente me encanta con la frase que cierra:

"Call me what I am. I am colossus"

Para darle paso a un ritmo más endemoniado y machacar nuestro cerebro con ese doble pedal que permanece constante durante todo el trayecto que es el segundo corte The demons name is surveillance, la intensidad aumenta y el desconcierto también, y eso que apenas comienza. Todo funciona como una maquina perfectamente calibrada, esa sucesión de riffs, una y otra vez impactando neuronas, no dan signos de tregua, moliendo nuestros oídos; simplemente atronador. Solo con la ultima pieza que lleva por nombre The last vigil podemos encontrar algo de calma. 


Al momento de su lanzamiento tuvo una muy buena acogida tanto por el público como por la critica especializada, y no duden que ya es desde la primera mitad de lo que va del año sino el mejor uno de los mejores lanzamientos de este 2012.






I am life. I am death. You empower me

sábado, 3 de marzo de 2012

TOM WAITS

He aquí la primera de muchas recomendaciones de una serie de lanzamientos que tuvieron lugar este tan fértil 2011 musicalmente hablando y que ha dejado a su paso grandes sorpresas, y muy a nuestro pesar más de alguna decepción.

No podía ser con otro, sino este señoron, originario de Pomona, California, que hace un par de meses celebró su cumpleaños número sesenta y dos, el gran Tom Waits y este que es su decimoséptimo trabajo de estudio titulado Bad as me (ANTI-, 2011).

Después de haber publicado una recopilación de rarezas y lados B, así como un álbum en vivo, este talentosísimo pianista y también actor, después de siete años de su último trabajo de estudio, el pasado 25 de Octubre nos presentó su más reciente creación, con este titulo que va tan acorde a la personalidad de mr. Waits.

Música tan viva, tan autentica, en verdad es realmente interesante el analizar toda la obra de este peculiar hombre, incluso su faceta como histrión en la que dado vida a seres igual de extraños que él. Desde bartenders despreocupados, cómplices del mismísimo Nosferatu hasta personificar nada más y nada menos que el señor de las tinieblas. Poniéndose a las órdenes de respetados directores como Francis Ford Coppola, Terry Gilliam Jim Jarmusch, éste último también mantiene una muy estrecha relación con la música, de hecho aprovecho para recomendarles las bandas sonoras de dos películas suyas, Dead man (1995) que lo hizo en su totalidad el gran Neil Young y The Limits of Control (2009)  ya mencionada alguna vez por acá y donde participan los excéntricos eclécticos Boris.

Poseedor de una de las voces más autenticas del orbe - tratándose de Tom Waits la cosa es fácil, te encantará o no lo tolerarás - para ésta nueva producción nos demuestra que su capacidad creadora no ha encontrado limite aún. Desde la inicial Chicago que nos remite a esos ambientes carnavalescos surrealistas de los 50's que sólo el puede evocar, pasando por melodías más serenas como la extraordinaria Talking at the same time con ese exquisito piano, descendiendo al Waits más cautivador e intimista con Kiss me y decirnos hasta luego con New Year's eve. Podremos encontrar frescura, pasión, vodevil, cabarets, alcohol barato, resacas, sudor, burlesque - todo aquello que forma parte del universo Waits - otra genialidad, manteniendo el paso firme.

like a stranger, once again...





domingo, 18 de septiembre de 2011

RUSSIAN CIRCLES

Después de un mes de no tener novedades por aquí, aprovecho esta mañana de Sábado nublado para compartir esta banda que ya lleva un par de años tocando y que hasta hace poco escuché.

Power trío proveniente de Chicago, de nombre Russian Circles. Desde el 2004 se encuentran dentro de los terrenos Post-rockeros con buenas de dosis de buen metal. Hoy les hablaré un poco sobre este que es su más reciente placa, titulada Geneva (Suicide Records, 2009), lanzado hace dos años, predecesor de extraordinario Station (Suicide Records, 2008), publicado un año antes.

Algo de lo que me encantó de esta formación, que si bien no brilla precisamente por contar con algún elemento que los haga diferentes a otras propuestas del genero, es la intuición con la que se van dejando fluir durante cada corte que conforma este genial trabajo. Con un sentido totalmente rockero estos tres son capaces de sumergirnos en atmósferas elaboradas con instrumentaciones austeras pero realmente efectivas, en las que la intensidad va en aumento conforme avanza cada melodía. Sin caer en lo predecible dan muestra de los recursos que poseen y la imaginación compositiva que pueden llegar a obtener juntando sólo estos tres instrumentos básicos; bueno agregando de vez en vez un teclado.

Tomándose su tiempo entre cada pasaje de atmósfera reposada, aunque teniendo el tacto como para no ser redundantes, o no  dar una errada impresión en cuanto a lo que ellos hacen; ya que lo suyo es lo inmediato, esos riffs que caen de manera directa, sin pretensiones, Mike Sullivan guitarrista de la banda, es donde mejor explota toda su genialidad y nos brinda muy buenos momentos en verdad. Fundiéndose de manera perfecta con ese bajo bien denso y distorsionado, por momentos pareciera que sólo están improvisando, explotando súbitamente o de manera fraccionada y volver a la calma o simplemente terminar en lo más alto.

Con mucha más dosis guitarrera que su predecesor, desde la inaugural Fanthom se nos devela el mood de este su tercer esfuerzo de estudio; aguerrido, manteniendo de manera acertada aquellas líneas melódicas de corte más atmosférico propias del genero. Sin dar tregua o mostrar puntos flojos a lo largo de este trabajo cierran con la que es la pieza más larga del álbum, de nombre Philos, que se distingue por no alcanzar aquellas intensidades propias del corte de da nombre al disco o la explosiva Malko, que si bien se desarrolla de manera in crescendo, posee una vibra alegre y se mantiene contenida, a medio vuelo, sin embargo se mantiene ahí por más tiempo, y nos brindan un final también reposado, contrastando con lo que fue todo el conjunto.

Ojalá disfruten de este intenso y explosivo disco, para todo amante del buen post rock y que a su vez sea metalero de corazón!!





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When the mountain comes to Muhammad

jueves, 4 de agosto de 2011

DEVIN TOWNSEND PROJECT

Ah que gusto da en verdad encontrar obras tan bellas e irrepetibles como esta; únicas, atípicas. Testimonio fiel de un momento en la vida de alguien, en este caso, un artista en toda la extensión de la palabra. Claro reflejo de una madurez creativa alcanzada, fuera de toda pretensión lucrativa. Sin lugar a dudas resultado obtenido, primeramente de una amplia búsqueda, saciar aquella sed primigenia de distintos sonidos, alimentar la creatividad, para que no haya lugar a las propias limitaciones, y así después dar rienda suelta a la creación, sólo fluir sin importar hasta donde se pueda llegar.

No se si ustedes tengan entre sus colecciones personales, discos de esta naturaleza, obviamente no dudo que la gran mayoría de los que visitan este espacio puedan citar más de diez discos como mínimo que consideren obras cumbres en las carreras de algún grupo o solista. Sin embargo, el punto que quisiera yo destacar aquí es, - ¿que cuando aquel grupo o solista es capaz de concebir un álbum totalmente alejado de aquellos sonidos por los cuales es reconocido y admirado, y más aún, hacerlo de manera soberbia? - Apuesto que aquella lista que cada uno de ustedes tenía en mente se ha reducido considerablemente, cierto?

No se acongojen que sin duda, este álbum formará parte de aquella selecta lista. Pues se trata nada más y nada menos que, del canadiense Devin Townsend, fundador de una de las bandas de metal más extremo que han llegado a mis oídos de nombre Strapping Young Lad, y cuando digo extremo, no sólo hablo de la pesadez en las distorsiones de las guitarras, o en lo gutural de su voz, eso lo puede lograr cualquier banda metalera, sino por su manera tan desquiciada y virtuosa de tocar; de cuando la genialidad se pone al servicio del metal.

En el caso de la recomendación que hoy nos compete, no hablaremos de aquellos riffs hipermegaveloces que es capaz de manufacturar semejante individuo, de hecho ni siquiera de su personalidad (relativamente poco fue diagnosticado con desorden bipolar) tan peculiar y la forma en que se desenvuelve arriba del escenario. Comenzaremos por decir que el titulo del disco del cual les hablo, es Ghost (2011, Hevy Devy, InsideOut Music), cuarto y último de la serie dentro de la discografía de este Devin Townsend Project. Vale también agregar que el mismo día que vio la luz esta singular joya, de igual manera lo hacía la tercer pieza de esta misma colección, el también impresionante Deconstruction, en el cual navega por sonidos más habituales dentro de su obra.

Para entrar en tema quisiera señalar que al escribir esto, previamente he leído un par de reseñas sobre este disco en algunos sitios especializados, y algo de lo que me llamó la atención es que aquellos artículos parecen haber sido escritos por personas que suelen escribir sobre otro tipo de música, metal para ser más específico;  y esto resulta una pena porque no le hacen justicia en lo absoluto a esta gran obra, incluso hubo quién llego a calificarlo de lineal, - cosa totalmente errónea para mí -. Y es que todo el conjunto resulta una suerte de música ambient, folkie - acústico, new age salpicado de sutiles arreglos a cada segundo. Es cierto que su duración supera los sesenta minutos, sin embargo, gracias a todas las capas con las que fue revestido, no resulta aburrido o monótono en lo absoluto. Por lo tanto no es demasiado el afirmar que estamos ante lo más arriesgado que ha hecho hasta ahora a lo largo de su trayectoria el señor Townsend y que sin duda muchos de sus más fieles seguidores no lo verían con buenos ojos precisamente.

Afortunadamente para todos los demás, eso poco le importó al canadiense, al que no le es suficiente sólo la pesadez del metal para exteriorizar su muy particular universo sonoro y nos demuestra que tiene refinados gustos musicales, y más aún, que sabe como hacerlos suyos al darles una muy interesante re-interpretación, y es que nos brinda una docena de bellas composiciones dotadas de aquella frescura que sólo se obtiene al dedicarle el tiempo para que vayan tomando alma propia y es que la pieza Blackberry, que escogí para ilustrar mejor este material del que les estoy hablando engloba perfectamente el mood en el que perfectamente se pasa de ritmos totalmente ambientales semi lentos para subir más el animo, como es el caso y llevarnos a los terrenos del folk con una guitarra acústica bastante alegre y coros femeninos incluidos, y así nuevamente pasar a un estado contemplativo en el que los instrumentos de viento pasan a primer plano, revestidos con sonoridades propias de algún bosque, teclados fantasmales y cantos que desvanecen suavemente entre toda aquella mezcla.

Pues bien ya prolongue bastante esta reseña, ojalá los haya convencido y ya estén bajando esta joyita, y sea motivo para que se adentren en el trabajo de este señoron, que ha hecho cosas bastante interesantes y desquiciadas, disfrútenlo!!!








The trees are calming down...



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lunes, 30 de mayo de 2011

I'M HERE

Hace un par de semanas tuve la oportunidad de ver, por recomendación del buen Chaneke lo que es el penúltimo cortometraje escrito y dirigido por el norteamericano Spike Jonze titulado I'm Here (Absolut, 2010); al poco tiempo también publicaría otro   inspirado en la más reciente producción discográfica de los canadienses Arcade Fire de nombre Scenes from the Suburbs, algo que no sorprendió mucho ya que él mismo había elaborado el videoclip del primer sencillo de dicho álbum. 

Tomando en cuenta la filmografía del también productor, podemos notar enseguida que cuenta con todos los elementos de su siempre particular propuesta audiovisual. Desde la musicalización discreta pero evocadora, hasta esos planos saturados de luz; incluso en la fotografía, las tonalidades empleadas me parecen las mismas que se eligieron para el que ha sido su último largometraje, el en mi opinión irregular Where the wild things are (Warner Bros, 2009).

 Desde mi punto de vista y concordando con un articulo que leí al momento de escribir esto, I'm Here me parece una revisión bastante sutil y acertada sobre aquel mito de la femme fatale. En el que, no con pocas similitudes a los protagonistas de aquel gran film del 2004 del frances Michel Gondry, Eternal Sunshine of the Spotless Mind, donde nos presentan una pareja conformada por dos personalidades totalmente distintas; en la que mientras la mujer es impulsiva, extrovertida y fiestera, el hombre es reservado, poco expresivo y de visitar lugares más bien tranquilos. Y que en algún momento sin quererlo, ella va consumiendo a su pareja, en su supuesto afán de llevar una vida intensa, dejándolo prácticamente sin nada.

En este caso la acción se desarrolla en un L.A. ficticio, en el que conviven de manera normal (es un decir) robots y humanos, y nuestros personajes principales, por supuesto están del lado de las maquinas. Si bien por un breve momento me llamó la atención esta incógnita de cómo sería una relación sentimental entre dos robots y por otro lado, el tono en que se daría la interacción entre éstos y las personas (si serían meras herramientas, o esclavos, y si se diera algún tipo de discriminación). En este último apartado, se nos presenta  un visionado bastante atinado en cuanto a credibilidad ya que todo el corto se desarrolla de una manera bastante fluida, dejando de lado este aspecto, para plasmar una puesta en escena que gana por la naturalidad con la que se desarrolla y concentrarse de lleno en aquel par.

Respecto a los protagonistas, otro aspecto que acentúa aquellas diferencias respecto a ambos, es el diseño o modelo que presentan en el chasis, ya que en el caso de la robot podemos notar que la forma de todas las partes de su cuerpo buscan una similitud al de un humano, mientras que con el robot no del todo, incluso su cabeza parece un mero CPU de computadora de escritorio de modelo antiguo. Todos estos detalles creo que a final de cuentas, buscando esa cercanía con los sentimientos humanos (vaya paradoja), logra que el espectador se ponga en la misma sintonía, y más aún, ya terminada la historia, construye un puente para la reflexión personal (no necesariamente) sobre como llevamos a cabo nuestras relaciones en sus distintos niveles, porque si bien mucho de lo que se nos presenta a lo largo de esta historia, desde mi punto de vista la premisa es sobre las decisiones personales y hacia donde nos van llevando, también no hay que dejar de lado ese otro lado, en el que dichas acciones afectan a aquellas personas que están cerca, y que incluso muchas veces no las tomamos mucho en cuenta, así como también nos pudieran afectar a nosotros. Algo así como recordándonos que a fin de cuentas no somos ajenos del todo unos de otros.

Haber que les parece, fue publicado en youtube en tres partes de 10 min. aproximadamente cada una, les dejo la primera, al terminar, en los videos relacionados aparecerán las siguientes dos partes.


miércoles, 27 de abril de 2011

LA CARRETERA

Por René...





LA CARRETERA

Empezaron a encontrar junto a la carretera algún que otro pequeño mojón de piedras. Eran señales en idioma gitano, pateranes perdidos. El primero que veía en bastante tiempo, comunes en el norte a medida que salías de las ciudades saqueadas y exhaustas, mensajes sin esperanza para seres queridos desaparecidos o muertos. Todas las provisiones de comida se habían agotado ya y el asesinato reinaba en la región. El mundo al poco tiempo poblado mayormente por hombres que se comían a tus hijos ante tus propios ojos y las ciudades en poder de bandas de atezados saqueadores que abrían túneles en las ruinas y salían reptando de los escombros blancos de dientes y ojos con bolsas de malla repletas de latas chamuscadas y anónimas como compradores salidos de los economatos del infierno. El blando talco negro barría las calles cual tinta de calamar desparramándose por un lecho marino y el frío se pegaba al suelo y oscurecía temprano y los carroñeros al pasar con sus antorchas por los escarpados desfiladeros dejaban en la ceniza hoyos como de seda que se cerraban silenciosamente a su paso como ojos. En las carreteras los peregrinos se derrumbaban y caían y morían y la tierra yerma y amortajada iba rodando hasta el otro lado del sol y regresaba sin dejar huella y tan inadvertida como la trayectoria de cualquier mundo hermano sin nombre en las inmemoriales tinieblas de más allá.


*Fragmento libro "El Camino", aut. Cormac McCarthy, Edit. Debolsillo, pag.134-135.



La carretera es el nombre de este libro escrito por Mccarthy Cormac quien también en su lista se apunta Sin lugar para los débiles, libro que fuera adaptado al cine por los hermanos Coen.

La carretera nos cuenta la historia de un hombre quien junto a su hijo, viajan al sur a través del territorio norteamericano en un mundo post-apocalíptico donde prácticamente todo se esta muriendo, tratando de sobrevivir el día a día, llevando sus pertenencias y provisiones en un carrito de supermercado. Escondiéndose de bandas de caníbales y ladrones en ambientes extremadamente fríos y grises.

Mccarthy no nos cuenta en ningún momento como paso el desastre, suelta algunas pistas pero nada concreto, pero no por eso le resta interés a la historia. El libro desde las primeras páginas envuelve en una atmósfera oscura y una realidad tan pesada, que pone al lector a cuestionarse sobre, si, real mente vale la pena seguir con vida en un lugar donde no se avista la esperanza y en cualquier momento se puede morir de la manera más cruel. Su manera poética de embellecer hasta los parajes más infernales es real mente sublime, dos almas que están solas en la carretera dependiendo una de otra, los recuerdos de uno, el padre, son su tormento y zancadilla emocional a su muy abatida alma. El otro, el niño, añorando un mundo que se extinguió, y llevando valores morales que van siendo asesinados cruelmente por las circunstancias.



Maccarthy comento que este libro lo escribió durante una época muy dura en su vida, donde vivía en condiciones muy humildes junto a su familia. El ver a su hijo pequeño y saber si podrá protegerlo de este mundo hostil que tiene el poder de tragarse a cualquiera, y eso en el mejor de los casos, ya que la prostitución infantil, el esclavismo y el tráfico de órganos están imparables. Temas muy tocados en “BIUIFUL” esta última película de Alejandro González Iñarritu. La carretera es una bella metáfora de nuestros días, donde puedo ver que el ser padre, no es nada fácil ya que todo esta en contra de ellos y como enemigo numero uno, el tiempo. 



- ¿donde están los buenos?
      - escondidos unos de otros… 


*Les dejo el trailer de la adaptación que se hizo para cine, por si tienen curiosidad de verla.


martes, 26 de abril de 2011

LOS DORADOS

Ya que estamos en esto de la música nueva, desde esperadísimos retornos hasta otros que siguen dando continuidad a una trayectoria, ya sea para ir forjando una carrera o para reafirmarse dentro del panorama musical. Un gran álbum de reciente publicación que se me había pasado compartirles, es esto de parte de Los Dorados, banda capitalina que después de tres años de haber puesto a la venta el más free jazz En Incendio, repite con la casa disquera Intolerancia y publica a principios del segundo trimestre del año esto de nombre Good Evil.

Cabe destacar el esfuerzo de esta agrupación que también forma parte de toda esta generación de talentosos músicos que cada vez van teniendo más presencia en la radio, así como en foros o festivales, que desde su Lp no dejan de abrirse paso, dando constante difusión a su obra, y no sólo eso sino buscando en cada entrega, ampliar sus horizontes ensanchando su abanico sonoro, dándole ese toque ecléctico que en este nuevo trabajo nuevamente se apoya de otras vertientes.

En esta ocasión la lista de invitados no fue tan amplia como en el caso de su predecesor, que contó con la participación de lujo del vietnamita - estadounidense Cuong Vu, trompetista que ha colaborado con nada más y nada menos que David Bowie, más otros tantos destacados. De hecho para esta oncena de melodías sólo se requirió la presencia del buen "Chema" Arreola, y no para hacerse cargo de la batería sino recitando a manera de spoken word un breve texto de nombre "Robapalabras". Algo que también llama la atención es que nos encontramos la cara más reposada del grupo, con un aire muy intimista, incluso introspectivo en grandes lapsos, en los que se le da un respiro al apartado de los instrumentos de viento a cargo de Daniel Zlotnik, para dejar en primer plano a las cuerdas, optando por lo acústico para darle un toque más orgánico a cada corte. Con este tipo de detalles la propuesta, más que Free jazz se puede considerar Experimental, incluso en la pieza Here comes the sound, en la que se da la colaboración antes mencionada de uno de los hermanos Arreola, el Dj Rayo elabora una base rítmica bastante interesante, con un toque bastante callejero apoyada por el bajo de Carlos Maldonado.

Siguen estando presentes aquellos pasajes totalmente ácidos, hipnóticos que van envolviendo poco a poco, como lo es en caso de Indie Gente. Piezas que parecieran ser meros ejercicios introspectivos, dejándose llevar por la improvisación pura en El Resplandor o Solariego. O la sabrosura tóxica de Toña recordándonos las noches bohemias de cabaret.

Enhorabuena por este cuarteto que todavía tiene mucho que decir en la música, no olviden estar pendientes de sus presentaciones, por cierto, para Junio estará en la cuidad Alonso Arreola y su proyecto solista dentro del marco del FIM, para que no falten, habrá oportunidad de hacerse de su más reciente producción, y pues lo más importante que es ver en vivo a uno que es de los mejores, sino el mejor bajista mexicano hoy en día.



Robapalabras; mas bien y menos mal... 


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