DREDG

Cuando recién comenzaba este blog, la segunda publicación fue el que era en esos días lo último de Dredg, publicado en el 2009 de nombre The pariah, the parrot, the delusion. En aquella ocasión hice algunas observaciones respecto a los elementos que formaban parte del sonido de la banda en aquel disco. Sobre todo a que la banda mostró una cara con inclinaciones por momentos más francas hacia las sonoridades electrónicas, dejando de lado aquellos arreglos majestuosos de cuerdas o vientos que tantos considerábamos distintivos dentro de la propuesta de los californianos. Sin embargo fue un muy buen trabajo, y demostraron que había talento como para reinventarse e intentar cosas nuevas sin la necesidad de seguir repitiendo lo hecho anteriormente.

Para este 2011 regresan de nueva cuenta con esta, en mi opinión atípica obra desde la portada misma, titulado Chuckles and Mr. Squeezy. Desde el lapso de tiempo que se tomaron entre un disco y otro para la creación del mismo, que anteriormente era una media de cuatro años y en este caso fue solo de dos, hasta el resultado final de las grabaciones, pareciera que los integrantes del grupo se propusieron hacer todo de manera muy diferente.

De hecho hasta este momento, una vez que tuve oportunidad de escuchar todo el álbum a lo largo de la semana, aún sin haber salido a la venta, gracias a la magia del Internet, y a que me dio el aviso el buen Alfredo, lo que más podría destacar es ese valor que tuvieron al arriesgarse con este nuevo capitulo en su discografía. Ya lo anunciaban hace un par de meses vía facebook, más aún lo íbamos confirmando con  las dos canciones que subieron para escuchar de forma gratuita, y definitivamente no vacilaban al afirmar que nos encontraríamos ante algo totalmente desconocido para los seguidores del cuarteto norteamericano.

Francamente yo aún no se si es de mi agrado o no dicho álbum, porque siendo justo no se trata de un mal disco, sin embargo tratándose de Dredg, me vienen sentimientos encontrados, ya que no entiendo el porque decidieron optar por este cambio tan drástico, sobre todo teniendo en cuenta el historial de la banda, y el par de obras maestras que significaron Leitmotif (1998) y más todavía El Cielo (2002), el que para mí fue concebido en un total estado de gracia de sus creadores; una obra tan hermosa, tan rica en todos sus aspectos, cuyas capas son infinitas y encierran incontables secretos esperando ser descubiertos por el que la contempla en todo su esplendor, en toda su grandeza y que será muy difícil de igualar en un futuro.

No sé si la crítica especializada o los fans influyeron en dicho cambio, o si simplemente significó el paso natural a seguir por su parte. Yo podría afirmar si no fuera por el distintivo timbre de voz de Gavin Hayes, que se trata de otro grupo, ya que se percibe un sonido más compacto, incluso austero, con una integración mayormente uniforme de bases electrónicas, incluso en la batería del genial Dino Campanella, que suena mucho muy contenida, hasta optando también por lo sintético en afán de lograr un sonido más sofisticado tal vez. Otra cosa que también se extraña y a la vez es extraño es que no haya aquellos pasajes instrumentales en los que la desde siempre característica guitarra de Mark Engles se deje escuchar desbordándose una y otra vez.

En verdad es demasiado para mí, no lo entiendo, ya quiero tenerlo en físico e ir juntando todas las piezas que faltan. Tengo muy en cuenta que obviamente la evolución que tiene toda agrupación a lo largo de su carrera los puede llevar por caminos insospechados, sobre todo en una de esta naturaleza; en este caso hablamos incluso de un cambio de géneros en los que se mueven, la guitarra si bien tiene el sello impreso de Engles, los efectos que utiliza son otros, sus arreglos son otros. Las estructuras de las canciones son más tradicionales, por lo tanto la dinámica en cuanto a las composiciones también. Como les dije anteriormente no me parece un mal disco, y si he notado muchos detalles interesantes, como la acústica Kalathat que contiene unos discretos slides con guitarra eléctrica relajantes. Incluso el disco cierra muy bien con la triada Sun Goes Down, Where I'll End Up y Before It Began. Así como también contiene un par de cortes que francamente no me agradaron en lo más mínimo y es que emplean unas bases electrónicas que me recuerdan a lo hecho por Chris Cornell en el horripilante Scream. No está de más también el mencionar que decidieron incluir un corte que ya tienen tiempo tocando en vivo y que formó parte de set-list de aquel gran concierto que grabaron y publicaron con el nombre Live at the Fillmore, en la que agregaron coros. En fin, se percibe también un grupo más maduro, con un sonido más reposado, la influencia del productor Dan The Automator (Gorillaz, Kasabian, etc) es notable, ya que no sólo se hizo cargo de las consolas, sino que tomó parte activa en la composición de algunas canciones, el mismo Gavin Hayes lo dice en un articulo publicado en la pagina de la banda, en el que describe el nuevo sonido como "Dark pop"; habrá que ir asimilando esta nueva faceta de Dredg y estar atentos.

Al casi ya terminar este escrito escucho de nueva cuenta el antes mencionado El Cielo y me sigue sonando tan fresco, totalmente atemporal, los títulos de cada melodía, cada elemento conviviendo en perfecta armonía, perfecto para ausentarse de todo y viajar muy lejos. Prometo escribir sobre el y darles mis impresiones pronto.

Get up, get up on your feet...

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SAN PASCUALITO REY

Por fin desde hace un par de días está circulando el más nuevo material discográfico de los capitalinos San Pacualito Rey, estrenando alineación, que si bien ya tenían tocando ya algún tiempo, en estudio no se habían puesto a grabar, y por lo tanto la incógnita en cuanto a los talentos de nombres de la talla de Alex Otaola (guitarrista, por enésima mencionándolo por aquí) y Luca Ortega (batería, percusiones) pudieran aportar al sonido de la banda, al menos creo que no sólo para mí, era grande.

Valiente es el nombre y previamente se habían publicado dos cortes para su promoción; Salgamos de Aquí y Carne Abierta. También en no pocos conciertos que ofrecieron desde antes del Vive Latino, ya un par más de canciones, Si te vas y Sin precaución, formaban parte del set que tocaban. Se supone que desde finales de Marzo sería puesto a la venta, sin embargo por razones que desconozco, fue hasta el evento antes mencionado Vive Latino, celebrado hace dos fines de semana que así sin previo aviso, en algún stand dentro del festival, se podía adquirir (con robo de mercancía incluido).

En cuanto a mis impresiones, después de las primeras escuchas, puedo decirles que noté varias novedades, por supuesto el inconfundible sello Otaola se puede notar desde las primeras notas, fusionándose a la perfección al estilo de los Pascuales. Honestamente yo si creí que sería muy drástico el cambio, ya que el estilo del anterior guitarrista Adolfo Castañeda le inyectaba muchísima personalidad a la propuesta de la banda. Otaola en algún entrevista llegó a mencionar que el mismo Adolfo fue quién lo contacto para proponerle que fuera él quién lo supliera en las seis cuerdas al momento de su salida. En cuanto al apartado de la batería, también es notable el trabajo que realiza el señor Luca. En lo personal, recuerdo una tocada hace poco más de dos años o tres que tocaron por acá en Guadalajara ya con Luca tras los tambores, de hecho tenían muy poco de haberlo integrado a la banda, y en aquella ocasión no me agradó mucho, en el sentido de que la diferencia en cuanto a su forma de tocar y la del anterior bataco Juan Evers era grandísima, ya que respecto al primero se nota una personalidad de baterista como tal, más punch, más rockero por así decirlo; en cambio si prestan atención a la batería en los trabajos anteriores de San Pascualito Rey notarán que los arreglos son más de bajo perfil, más de detalles discretos, sutiles, que a mí me gustaron  sobremanera en el cierre de su anterior disco Deshabitado en Una esquina en el mar o No hay nada por ejemplo. Por lo tanto en aquella tocada no vi con bueno ojos aquel cambio, sin embargo con gusto hoy puedo decirles que también en este caso el sonido del grupo ha ganado.

Se nota un Pacual (vocales, guitarra) más suelto en su forma de cantar, más confiado, con sus tradicionales composiciones. Esa atmósfera algo sombría que danza de manera armoniosa con aquellos ritmos guapachosos. Ecos de Javier Solís deslizándose entre guitarras distorsionadas, instrumentaciones que nos remiten alguna noche de cavaret, mientras la estridencia de algún solo de guitarra se desborda en el infinito. 

En general me parece un muy buen disco, francamente no quisiera compararlo con sus anteriores trabajos, prefiero seguirlo escuchando e ir descubriendo todo aquello que encierra. Por el momento mis favoritas instantáneas fueron Pájaros negros, Si te vas y Que pensar en tí; esta última siento que si en un futuro la lanzaran como sencillo, tiene mucho potencial para convertirse en todo un trancazo en la radio, con un ritmo sencillamente muy agradable, guitarra acústica de base, alegrona, estribillo que se te queda grabado, muy buena en verdad. Una que también llama la atención es Todo se cae, con un ritmo más netamente rockero, en la que el señor Pacual se anima con una manera distinta de cantar, y hasta utilizando un efecto en la voz; guitarrera, de hecho aquí los Pacuales bien podrían pasar por otro grupo, podría decirles que es algo así como la equivalente de Flush del Sufro Sufro Sufro.

También creo que la dosis de esos ritmos sabrosones, siguiendo la tendencia de su predecesor, se sigue atenuando, aunque igual sigue habiendo buenas canciones para ponernos a mover el bote, en mi caso torpemente, pero esa es otra historia, haber que les parece, espero sus opiniones.

Si te vas, vete gritando, quiero saber que me quisiste que me vas a extrañar...

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ALEJANDRO OTAOLA

Ya tenía algún tiempo prolongando esta recomendación, sin embargo pareciera que lo acontecido últimamente por la ciudad me dijera que ya era tiempo de terminar este texto para compartirlo con ustedes. Y es que el Viernes pasado se dio por finalizado el Festival Internacional de Cine en Guadalajara 2011, con su respectiva sección de premiaciones y ceremonia de clausura, - ¿porqué mencionarles esto? - pues porque en una de las secciones de reciente creación dentro de los eventos organizados para dicho festival, de nombre "Al son de cine", el Miércoles  pasado, todos los que vivimos relativamente cerca del área metropolitana del estado, y algunos que no también, tuvimos la oportunidad de presenciar el show montado por Alex Otaola, específicamente para la serie de presentaciones audiovisuales que se llevaron a cabo en la Cineteca nacional, localizada en el Distrito Federal, de nombre "Cine mudo al ritmo de rock", en la que participaron gran cantidad de artistas de la talla de José Manuel Aguilera, Los hermanos Arreola así como el mismo Otaola, sonorizando en vivo con su muy particular estilo algunas celebres películas de aquella época en la que el cine no contaba con diálogos hablados por parte de los interpretes.

Hace aproximadamente poco más de un mes, me encontré en la sección "Ángel exterminador" del periódico Público un breve entrevista que Hugo García Michel le hizo al guitarrista, respecto a las primeras dos presentaciones que se habían llevado a cabo en la cineteca. El comentaba que la razón por la que se le había pedido repetir el numerito, fue debido a que gustó tanto la primer presentación que decidieron plasmar todo aquel espectáculo, pero no sólo eso sino pasarlo a formato de disco compacto y regalarlo a la gente en diversos puntos del Distrito Federal. Como verán nuevamente los que vivimos en otros estados de la República nos veíamos con escasas posibilidades, primeramente de haber asistido a aquellos eventos, y posteriormente a hacernos de dicho compacto. Sin embargo a las pocas semanas, la suerte parece sonreírnos  y el Festival Internacional de Cine en Guadalajara tuvo la atinadísima idea de traer a Otaola y compañía para que pudiéramos ser testigos de aquel evento antes mencionado.

Tratándose de este gran guitarrista, me da un enorme gusto nuevamente poder hablarles sobre él, que creo ya es la cuarta o quinta vez que se le menciona por acá, y es que afortunadamente para nosotros, Alex Otaola no para de trabajar, así como  de seguir creando, manteniendo esa dinámica tan suya y ser un nómada de la música, y no solo respecto a los géneros en los que ha incursionado, sino también de las personas con las que ha colaborado. Detalle que aunado a su enorme talento, nos ha hecho testigos de su creatividad e inventiva en sus diferentes facetas a lo largo de su trayectoria. En esta ocasión se trata de una integración de las que creo yo, son de sus mayores pasiones, que es el cine y obviamente la música. Si bien ya esto lo había hecho anteriormente con su primer trabajo como solista (y que por cierto también acá recomendamos), esta vez se trataba de una encomienda aún más específica; musicalizar de principio a fin una película rusa de fines de la década de los años 20´s, El hombre de la cámara, frente a un foro, en tiempo real.

Los resultados, ahora que tuve la oportunidad de presenciar aquello, he de decir que fue totalmente una gozada ver a Otaola ir y venir arriba del escenario, dirigiendo aquel ensamble conjuntado por algunos de sus más entrañables amigos. Si bien la mayor parte de la película traté de centrar toda mi atención en la misma, era inevitable el bajar un poco la mirada hacía el escenario y ver al ex-Santa Sabina tocando el piano o la guitarra, o dando señales a sus camaradas, que bien dicho sea de paso, se podía notar lo bien que la pasaban, logrando que aquella instrumentación encajara perfectamente con las imágenes proyectadas, yendo de pasajes suaves y delicados, a momentos de total delirio y desparpajo e improvisando en no pocos segmentos. En esta presentación si se contó con la participación del Dj Rayo, miembro de la banda Los Dorados, ya que en la entrevista antes mencionada, Alex comentaba que al momento de la mezcla de la grabación de la presentación en la Cineteca, se agregaron algunos elementos de tornamesa, así como samplers para enriquecer el resultado final.

Si bien es cierto que no estuvieron exentos de complicaciones técnicas, fue un gran evento en verdad, de esas cosas que la gente realmente agradece, y que para cerrar con broche de oro, regalaran aquel disco, fue para que todos los presentes nos fuéramos de ahí con una sonrisa de oreja a oreja.

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SHINING

Después de un buen tiempo de letargo por acá, les traemos esta recomendación proveniente de Suecia, que ya tienen algún tiempo haciendo música, sin embargo para no variar, yo hasta hace poco escuché de ellos en una inusual lista de los mejores lanzamientos del año pasado, la cual por cierto no he terminado de revisar, principalmente porque de la lista de cuarenta títulos ahí publicados, solo sabía de la existencia de unos diez aproximadamente. El sitio se llama The Quietus, por si quisieran darle una checada al particular top del 2010 de este sitio.

De hecho esta banda, de nombre Shining (nada que ver con la novela de Stephen King, o la película basada en dicha novela, dirigida por Stanley Kubrick) me resulta algo así como una anomalía o mejor dicho excepción en cuanto a mis gustos, aunque no precisamente por el aspecto musical, ya que su propuesta que me resulta por demás atractiva, sino por aquello relacionado a su historial y cuestiones de su discurso como banda, y es que resulta que estos suecos, han desarrollado su carrera dentro de la escena Black, cuya presencia es mucho mayor por aquellos lados del noroeste de Europa, y por lo tanto han adoptando toda esa parafernalia propia del genero, con la cual no tengo algún tipo de afinidad  o gusto en lo absoluto y que incluso me declaro un neófito total del tema, que por ende no me nace el indagar respecto a los exponentes de este genero, no negando que tal vez gran parte de esto de deba a este prejuicio mío. Por lo tanto me resulta un tanto extraño el hablarles un poco de esta banda formada en 1996, más que nada por estas cuestiones extra musicales, que si bien el proyecto se encuentra en una etapa de depuración en cuanto a imagen y sonido, no son pocas las controversias en las que se han visto envueltos, debido en principio a las letras que promueven abiertamente el suicidio y la automutilación, así como de la gran violencia que se genera en sus presentaciones. Cuestiones en las que no entraremos en detalle aquí.

Para entrar ya en tema, primeramente quisiera describirles más o menos cual fue la sensación que tuve al escuchar por primera vez este trabajo de nombre Blackjazz (Indie Recordings, 2010). Y es que por tratarse de una obra con una gran cantidad de mala leche y locura desmedida, pero que a su vez esta dotada de tal genialidad e inteligencia para fusionar todo ese abanico de géneros, en la que los resultados son por demás sorprendentes y es que en mi caso, me hizo rememorar mis días preparatorianos, 2001 para ser exactos y el  inminente lanzamiento del octavo álbum de estudio de Slayer, el contundente God hates us all (American Recordings, 2001) bajo un contexto totalmente adverso, puesto que unos cuantos días antes se había perpetrado aquel lamentable ataque terrorista a la nación de las barras y las estrellas y el derribe de un icono, como lo fueron las famosas "Torres gemelas" del país norteamericano. El hecho de encargarlo primeramente (los discos de importación no llegaban tan rápido entonces), ya tenerlo en mis manos, abrirlo, ver aquella celebre portada y finalmente el escuchar a Tom Araya berreando a todo pulmón: "GOD HATES US ALL, GOD HATES US ALL!!", fue aquel escalofrío que empieza en la nuca y se expande por todo el cuerpo que enchina la piel. Esa sensación de exaltación, y de peligro, algo totalmente nuevo para mí en aquel momento (hay que recordar que era un joven imberbe todavía, entiendanme!!).

Precisamente esto mismo, tal vez no en la misma medida, pero esa sensación experimenté desde el inicio de la abridora The madness and the damage done de este extraordinario Blackjazz, que de forma inmediata me trae reminiscencias de los alemanes Atari teenage riot, con una fuerte dosis de industrial muy a la Ministry e instrumentaciones aún mas vertiginosas, pasajes repetitivos que crean atmósferas bien delirantes; agresión sonora a más no poder.

Sin artificios pretenciosos o virtuosismos estos suecos invitan al escucha a sumergirse en una vorágine siniestra de altos vuelos, con ese mood tan sombrío por compañía durante todo el viaje. Es una celebración a la música misma, que desborda intensidad y pasión por montones, para dejarse llevar, -¿emplean ritmos de jazz, beats techno-industrial, pasajes progresivos y atmósferas propias del doom en la misma canción? - eso ya no importa, puesto que lo de ellos es toda una orgía sonora sin concesiones, un descenso en caída libre. Honestidad brutal a cada segundo, no se buscan arreglos pomposos ni momentos solemnes; es sudor, sangre y sentimiento a todo momento. Incluso instrumentaciones totalmente minimalistas se dejan escuchar en algunos lapsos, para dar un respiro y seguir con el torbellino.

Para todo aquel que está en la búsqueda de nuevos sonidos con espíritu altamente rockero; no se espanten por esa facha de tipos malos que se cargan, aquí hay muy buena música señores, hasta con una versión realmente ácida de la inolvidable 21st century schizoid man de King Crimson para el final del disco como plus para los más exigentes.

You'll remember me when your worlds collide...

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NAILBOMB

Ahora que toda esta semana he tenido y tendré bastante tiempo libre, al estar revisando noticias relacionadas con la música, me encontré una que me fue de particular interés, pues se relaciona con el incansable frontman de Soulfly, Max Cavalera, quién al parecer se encuentra preparando un nuevo proyecto nada más y nada menos que en colaboración con un personaje que forma parte de una generación digamos más actual del metal, ya que se trata del vocalista de la banda The Dillinger Escape Plan, Greg Puciato, que si bien yo les he perdido un tanto la pista en cuanto a lo que han hecho más recientemente, reconozco que han sabido relacionarse bastante bien dentro del circuito y previamente ya han firmado colaboraciones bastante interesantes, como es el caso del Ep que grabaron teniendo como invitado de lujo al no menos inquieto Mike Patton (Faith no more, Mr. Bungle).

En dicha noticia también se mencionaba un poco sobre el sonido en cuestión que se espera tenga como resultado dicha colaboración; que se trata de algo muy al estilo de lo hecho ya hace poco más de quince años con aquella efímera agrupación de nombre Nailbomb, otra de las no pocas formaciones paralelas que ha liderado el mismo Cavalera, aunque en este caso al lado del músico ingles Alex Newport, proveniente de la banda de post-hardcore ya extinta, Fudge Tunnel, en la cual se tuvo acercamientos más francos con el Industrial, obviamente sin dejar de lado los elementos Trash, especialidad de la casa. 

Precisamente para celebrar tan buenas noticias, vamos recordando, o para los que no habían escuchado de este peculiar combo, aquí se los compartimos. Se trata del explosivo Point blank (Roadrunner, 1995), que para sus grabaciones, estuvo plagado de nombres como Dino Cazares (Fear Factory, Divine Heresy, Brujería) o compañeros de la anterior banda del brasileño, Sepultura. Desde el inicio podremos apreciar una propuesta más directa, que de hecho va muy de la mano con la fotografía de portada - ¿ perturbadora, no? - resultado de aquella fusión de semejantes talentos, pero sobre todo de los estilos que manejan, ya que podemos identificar perfectamente las aportaciones que cada quien hizo para así engendrar aquella entidad de personalidad propia. Si bien es cierto que inevitablemente al escucharlo nos traerá reminiscencias de las bandas de las cuales provienen los artistas implicados, alcanza a salir bien librado, sobre todo por el tiempo en el que fue elaborado, en el que sino todos, la gran mayoría se encontraban en un gran momento, no sólo creativamente hablando, sino también en el nivel de la relación con su público, ya que disfrutaban de un gran respaldo que probablemente hoy en día no tienen.

También se percibe cierta libertad en cuanto a intentar cosas distintas, ritmos bastante densos y lentos, incluso hipnóticos, distorsiones más bien secas, pero con ese toque en los riffs que sólo el gran Andreas Kisser sabe dar, letras en portugués, denuncia social, mala leche, también rapidez, samplers; no le falta nada a este potente álbum. Ideal para dar batalla a mitad de semana, solo recuerden darla con personalidad, no con los puños, como alguien a quien conozco. Disfruten.

...help to blind me, trying to burn me

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LA PRINCESA DE MONONOKE

...Por René

LA PRICESA MONONOKE

Si tomo la palabra, no es para defenderme de los actos
de los que se me acusa, ya que sólo la sociedad,
que por su organización pone a los hombres en lucha
continúa los unos contra los otros, es la responsable.

Ravachol

Mi primer post del año, y lo que inspiro semejante peripecia, es este film de Hayao Miyazaki este señor que ya dejo huella en la historia de la animación, mejor conocido por el viaje de Chihiro que fue ganadora del Oscar. Al que James Cameron le robo gran parte de lo que se puede ver en Avatar argumentando que tenia el guión desde 1995, mucho antes de filmar titánic. Esto solo me recuerda una frase que decía una pequeña niña de ocho años cada que le contaba historias tan irreales que ni yo me aguantaba la risa

 “te voy a creer, pero no le digas a nadie que me hiciste mensa”

Esta historia comienza con un príncipe que tiene que defender a su pueblo de un demonio que lo amenaza, el clan Emishi. En la batalla  en la que se ve obligado a matarle, éste es herido y maldecido por el demonio que en realidad es un dios protector del bosque el cual le dejo una sentencia de muerte al ser expuesto a su rabia. Esto le lleva al príncipe Ashitaka a viajar a tierras lejanas en búsqueda de una cura para su maldición, que le consume cada que su corazón es ensombrecido por el odio. En su viaje tendrá que ser intermediario en un conflicto entre la ciudad del hierro y el clan de los lobos quienes protegen el bosque de la desmedida mano humana. Ashitaka deberá ponerle un alto al círculo vicioso de venganza y muerte.

Lo interesante de los films de Hayao Miyazaki es que no toma la salida fácil al plantear una situación, y profundiza en los personajes y el porque de sus actos, demostrando buen juicio con cada uno dejando mucha esencia en ellos. Al mismo tiempo mostrando sus posturas ecologistas y anti-bélicas, lo que es raro ya que es muy explicito al mostrar escenas de combate, mismas que la distribuidora Miramax quiso cortar para hacer mas comercial la película, Hayao respondió a esto, mandándoles una katana con un mensaje grabado en la hoja que decía “sin cortes” con esto quiero creer que el mensaje es obvio debido a la temática de la misma, los problemas se ven de frente y claro. Los problemas ecológicos no son el único problema, es sólo uno de los que toman turno en esa gran fila.

Llevo en la mente algunos días con la imagen (nada nueva) de un animal pisoteado por los carros en plena avenida hasta perder la forma de lo que fue un perro. Con sus extremidades aun peludas entre un contorno rojo demasiado difundido, que solo expresa lo bien que vamos contra todo… y todos. Muchos dirán que solo es un perro, uno mas uno menos, pero esa falta de responsabilidad, sensibilidad  y respeto por la vida, es la que nos esta llevando a ver tanta mutilación y desordenes sociales. La princesa mononoke nos muestra que la humanidad tiene grandes defectos individuales, y que mientras no los supere, no podrá vivir en armonía con las demás especies. Al mismo tiempo también nos muestra que mientras exista amor en el corazón de algunos, se tiene esperanza.

Les invito a que vean esta y todas las películas que puedan del maestro Hayao Miyazaki, la animación no son solo para niños, también enseña y educa a grandes.

Vengo para ver con claridad, sin odio…

   

RADIOHEAD

-Si ya se que había prometido subir algo muy distinto hace un par de días- pero fíjense que ayer por la mañana, leí una noticia sobre el nuevo lanzamiento de Radiohead y de que ya habían habilitado la descarga digital de su tan esperado nuevo álbum The king of limbs (poco más de medio día antes de lo previsto, creo) por la módica suma de nueve dólares en formato mp3 y catorce en wav. Así que me dí a la tarea de conseguirlo lo antes posible y poder escucharlo. Lo que me llamó la atención primeramente fue el número de cortes que conformaban el disco, ya que previamente no tenía otra información respecto al octavo trabajo de los ingleses aparte del título y la fecha de sus salida. Sólo ocho son las canciones que forman parte de esta nueva obra, dos menos que su predecesor y de hecho hasta ahora el que menos tracks ha contenido desde el ya mayor de edad Pablo honey (Parlophone, 1993), que fue puesto a la venta por estos días, hace dieciocho años.

Igual lo que nos importa aquí no es la cantidad sino la calidad, y tratándose de Radiohead, sabemos que la hay, y de sobra. A sólo casi un día de haberlo escuchado por primera vez y después una y otra vez, creo que puedo compartirles mis primeras impresiones, así como de ciertos detalles que pude notar.

De entrada, algo de lo que yo me pregunto, es, en el caso de una banda como esta, que prácticamente desde sus inicios ha tenido a medio mundo al pendiente de su música, que de manera sobradamente inteligente y talentosa supo desmarcarse del calificativo grupo "one hit wonder", dando bofetada con guante blanco a todo aquel que los conocía o que solo iba a sus conciertos esperando a que tocaran ese cuasi-himno de la llamada "generación X" que era Creep, al ya no incluirla más en sus presentaciones. Que para finales de los 90's, ya con un gran número de seguidores a sus pies después de la salida de lo que fue el clásico instantáneo The Bends (Parlophone, 1995), sorprendió a propios y extraños al abrir todo un mar de posibilidades y deshacer toda frontera entre el rock y lo electrónico con el Ok computer (Parlophone, 1997) y que posteriormente expandirían sus horizontes hacía los terrenos de la experimentación con aquellas exhaustivas grabaciones que darían como resultado los alucinantes Kid A (Parlophone, 2000) y Amnesiac (Parlophone, 2001) en el naciente siglo veintiuno, y que desde siempre han mantenido ese nivel y creatividad, no sólo para sus composiciones bien dicho sea de paso, sino también para llevar sus negocios, ya que nada más y nada menos, para el In Rainbows (Self-release, 2007) dio cátedra de como adaptarse a las nuevas formas de promoción y distribución de música en formato digital. Y que por si no fuera suficiente, para rematar esta conformada por personalidades tan dominantes e imaginativas como Thom Yorke o Jonny Greenwood, que a su vez están involucrados en gran número de proyectos simultáneamente. A estas alturas, -¿De qué otra forma podría sorprender?, y ojo no me mal entiendan, no con esto me refiero a algún tipo de exigencia estilo fan de hueso colorado o de crítico sabelotodo- si me preguntan, tan sólo al inicio de esta semana, me sorprendió el hecho de que así, sin haber proporcionado detalles previos o haber realizado una promoción como tal (sólo un par de canciones habían sido tocadas en algunos conciertos anteriormente), en tan sólo unos cuantos días podríamos disfrutar de este material hasta ayer inédito del que estamos hablamos, y aún así nuevamente provocar el revuelo, toda clase de comentarios y expectación, -ah!! y también publicar el vídeo del primer sencillo, Lotus flower-.

Teniendo esto en cuenta hablemos pues de este "Rey de las extremidades", título que posiblemente hace alusión a un gran árbol de roble, que se cree tiene mil años de antigüedad aproximadamente y se encuentra en el bosque Savernake Wiltshire, lugar cercano a donde la banda grabó su anterior disco. En mi opinión creo que este trabajo encierra muchísimos detalles, que sólo podremos notar poniendo toda nuestra atención en él, yo recomiendo unos buenos audífonos a un buen volumen y no hacer nada mientras se escucha. De hecho como unidad funciona mejor así, no es una obra para apreciar mientras se hace algo más, ya que está revestido de un gran número de sutiles capas que crean atmósferas realmente interesantes. Por ejemplo, en cuestión de las bases rítmicas, sobre todo en el apartado de la batería y secuencias de ritmos, me parecen toda una delicia; intricadas, minimalistas, hipnóticas, con ese toque que sólo ellos pueden lograr.

En esencia es más uniforme que su predecesor en cuanto al mood, no hay grandes cambios entre corte y corte, si bien algunas canciones tienen un tempo más acelerado que otras, la estridencia no se hizo presente esta ocasión. Se percibe un sonido reposado, mucho más cuidado, que a pesar de encontrarnos por momentos ante composiciones que podrían considerarse sentadas en bases netamente electrónicas y por lo tanto no contar con esa espontaneidad de rolas más guitarreras de trabajos anteriores, existe una organicidad e integración notable, en el sentido de que con el transcurrir de cada track, aunque una y otra posean  instrumentaciones totalmente distintas, no se pierda ese sentido de unidad, caso específico de Feral y Lotus flower, que si bien la primera es totalmente delirante, con todo un entramado de secuencias electrónicas que se van agregando in crescendo y no posee verso alguno, nos transporta de inmediato a esa línea bajo exquisita de Lotus Flower, que en cuanto a los elementos utilizados y su estructura es muy distinta, y sin embargo no desentona en lo absoluto; solo una de las tantas cualidades en la que se han hecho especialistas los de Oxfordshire a través de los años y por las cuales se siguen manteniendo vigentes.

En conclusión he decirles que, tomando en cuenta el gran historial antes mencionado de la banda, difícilmente nos encontraríamos ante una nueva gran evolución respecto a su sonido (o en lo que podíamos esperar), cuestión que por supuesto nunca descarto tratándose de Radiohead. Sin embargo también puedo decirles que efectivamente se trata de una gran obra de arte, en la cual se agradece que sigan dando rienda suelta a todas esas inquietudes que tienen, explorando, intentando nuevas cosas, con ese toque inconfundible que poseen, el cual dará mucho de qué hablar en las próximas semanas. Producido nuevamente por Nigel Godrich, espero sus opiniones, puntos de vista, haber que les parece, saludos.

...I will shape the sins into your pocket

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