TOM WAITS

He aquí la primera de muchas recomendaciones de una serie de lanzamientos que tuvieron lugar este tan fértil 2011 musicalmente hablando y que ha dejado a su paso grandes sorpresas, y muy a nuestro pesar más de alguna decepción.

No podía ser con otro, sino este señoron, originario de Pomona, California, que hace un par de meses celebró su cumpleaños número sesenta y dos, el gran Tom Waits y este que es su decimoséptimo trabajo de estudio titulado Bad as me (ANTI-, 2011).

Después de haber publicado una recopilación de rarezas y lados B, así como un álbum en vivo, este talentosísimo pianista y también actor, después de siete años de su último trabajo de estudio, el pasado 25 de Octubre nos presentó su más reciente creación, con este titulo que va tan acorde a la personalidad de mr. Waits.

Música tan viva, tan autentica, en verdad es realmente interesante el analizar toda la obra de este peculiar hombre, incluso su faceta como histrión en la que dado vida a seres igual de extraños que él. Desde bartenders despreocupados, cómplices del mismísimo Nosferatu hasta personificar nada más y nada menos que el señor de las tinieblas. Poniéndose a las órdenes de respetados directores como Francis Ford Coppola, Terry Gilliam o Jim Jarmusch, éste último también mantiene una muy estrecha relación con la música, de hecho aprovecho para recomendarles las bandas sonoras de dos películas suyas, Dead man (1995) que lo hizo en su totalidad el gran Neil Young y The Limits of Control (2009)  ya mencionada alguna vez por acá y donde participan los excéntricos eclécticos Boris.

Poseedor de una de las voces más autenticas del orbe - tratándose de Tom Waits la cosa es fácil, te encantará o no lo tolerarás - para ésta nueva producción nos demuestra que su capacidad creadora no ha encontrado limite aún. Desde la inicial Chicago que nos remite a esos ambientes carnavalescos surrealistas de los 50's que sólo el puede evocar, pasando por melodías más serenas como la extraordinaria Talking at the same time con ese exquisito piano, descendiendo al Waits más cautivador e intimista con Kiss me y decirnos hasta luego con New Year's eve. Podremos encontrar frescura, pasión, vodevil, cabarets, alcohol barato, resacas, sudor, burlesque - todo aquello que forma parte del universo Waits - otra genialidad, manteniendo el paso firme.

like a stranger, once again...

LOS DORADOS

Ya que estamos en esto de la música nueva, desde esperadísimos retornos hasta otros que siguen dando continuidad a una trayectoria, ya sea para ir forjando una carrera o para reafirmarse dentro del panorama musical. Un gran álbum de reciente publicación que se me había pasado compartirles, es esto de parte de Los Dorados, banda capitalina que después de tres años de haber puesto a la venta el más free jazz En Incendio, repite con la casa disquera Intolerancia y publica a principios del segundo trimestre del año esto de nombre Good Evil.

Cabe destacar el esfuerzo de esta agrupación que también forma parte de toda esta generación de talentosos músicos que cada vez van teniendo más presencia en la radio, así como en foros o festivales, que desde su Lp no dejan de abrirse paso, dando constante difusión a su obra, y no sólo eso sino buscando en cada entrega, ampliar sus horizontes ensanchando su abanico sonoro, dándole ese toque ecléctico que en este nuevo trabajo nuevamente se apoya de otras vertientes.

En esta ocasión la lista de invitados no fue tan amplia como en el caso de su predecesor, que contó con la participación de lujo del vietnamita - estadounidense Cuong Vu, trompetista que ha colaborado con nada más y nada menos que David Bowie, más otros tantos destacados. De hecho para esta oncena de melodías sólo se requirió la presencia del buen "Chema" Arreola, y no para hacerse cargo de la batería sino recitando a manera de spoken word un breve texto de nombre "Robapalabras". Algo que también llama la atención es que nos encontramos la cara más reposada del grupo, con un aire muy intimista, incluso introspectivo en grandes lapsos, en los que se le da un respiro al apartado de los instrumentos de viento a cargo de Daniel Zlotnik, para dejar en primer plano a las cuerdas, optando por lo acústico para darle un toque más orgánico a cada corte. Con este tipo de detalles la propuesta, más que Free jazz se puede considerar Experimental, incluso en la pieza Here comes the sound, en la que se da la colaboración antes mencionada de uno de los hermanos Arreola, el Dj Rayo elabora una base rítmica bastante interesante, con un toque bastante callejero apoyada por el bajo de Carlos Maldonado.

Siguen estando presentes aquellos pasajes totalmente ácidos, hipnóticos que van envolviendo poco a poco, como lo es en caso de Indie Gente. Piezas que parecieran ser meros ejercicios introspectivos, dejándose llevar por la improvisación pura en El Resplandor o Solariego. O la sabrosura tóxica de Toña recordándonos las noches bohemias de cabaret.

Enhorabuena por este cuarteto que todavía tiene mucho que decir en la música, no olviden estar pendientes de sus presentaciones, por cierto, para Junio estará en la cuidad Alonso Arreola y su proyecto solista dentro del marco del FIM, para que no falten, habrá oportunidad de hacerse de su más reciente producción, y pues lo más importante que es ver en vivo a uno que es de los mejores, sino el mejor bajista mexicano hoy en día.

Robapalabras; mas bien y menos mal... 

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ALEJANDRO OTAOLA

Ya tenía algún tiempo prolongando esta recomendación, sin embargo pareciera que lo acontecido últimamente por la ciudad me dijera que ya era tiempo de terminar este texto para compartirlo con ustedes. Y es que el Viernes pasado se dio por finalizado el Festival Internacional de Cine en Guadalajara 2011, con su respectiva sección de premiaciones y ceremonia de clausura, - ¿porqué mencionarles esto? - pues porque en una de las secciones de reciente creación dentro de los eventos organizados para dicho festival, de nombre "Al son de cine", el Miércoles  pasado, todos los que vivimos relativamente cerca del área metropolitana del estado, y algunos que no también, tuvimos la oportunidad de presenciar el show montado por Alex Otaola, específicamente para la serie de presentaciones audiovisuales que se llevaron a cabo en la Cineteca nacional, localizada en el Distrito Federal, de nombre "Cine mudo al ritmo de rock", en la que participaron gran cantidad de artistas de la talla de José Manuel Aguilera, Los hermanos Arreola así como el mismo Otaola, sonorizando en vivo con su muy particular estilo algunas celebres películas de aquella época en la que el cine no contaba con diálogos hablados por parte de los interpretes.

Hace aproximadamente poco más de un mes, me encontré en la sección "Ángel exterminador" del periódico Público un breve entrevista que Hugo García Michel le hizo al guitarrista, respecto a las primeras dos presentaciones que se habían llevado a cabo en la cineteca. El comentaba que la razón por la que se le había pedido repetir el numerito, fue debido a que gustó tanto la primer presentación que decidieron plasmar todo aquel espectáculo, pero no sólo eso sino pasarlo a formato de disco compacto y regalarlo a la gente en diversos puntos del Distrito Federal. Como verán nuevamente los que vivimos en otros estados de la República nos veíamos con escasas posibilidades, primeramente de haber asistido a aquellos eventos, y posteriormente a hacernos de dicho compacto. Sin embargo a las pocas semanas, la suerte parece sonreírnos  y el Festival Internacional de Cine en Guadalajara tuvo la atinadísima idea de traer a Otaola y compañía para que pudiéramos ser testigos de aquel evento antes mencionado.

Tratándose de este gran guitarrista, me da un enorme gusto nuevamente poder hablarles sobre él, que creo ya es la cuarta o quinta vez que se le menciona por acá, y es que afortunadamente para nosotros, Alex Otaola no para de trabajar, así como  de seguir creando, manteniendo esa dinámica tan suya y ser un nómada de la música, y no solo respecto a los géneros en los que ha incursionado, sino también de las personas con las que ha colaborado. Detalle que aunado a su enorme talento, nos ha hecho testigos de su creatividad e inventiva en sus diferentes facetas a lo largo de su trayectoria. En esta ocasión se trata de una integración de las que creo yo, son de sus mayores pasiones, que es el cine y obviamente la música. Si bien ya esto lo había hecho anteriormente con su primer trabajo como solista (y que por cierto también acá recomendamos), esta vez se trataba de una encomienda aún más específica; musicalizar de principio a fin una película rusa de fines de la década de los años 20´s, El hombre de la cámara, frente a un foro, en tiempo real.

Los resultados, ahora que tuve la oportunidad de presenciar aquello, he de decir que fue totalmente una gozada ver a Otaola ir y venir arriba del escenario, dirigiendo aquel ensamble conjuntado por algunos de sus más entrañables amigos. Si bien la mayor parte de la película traté de centrar toda mi atención en la misma, era inevitable el bajar un poco la mirada hacía el escenario y ver al ex-Santa Sabina tocando el piano o la guitarra, o dando señales a sus camaradas, que bien dicho sea de paso, se podía notar lo bien que la pasaban, logrando que aquella instrumentación encajara perfectamente con las imágenes proyectadas, yendo de pasajes suaves y delicados, a momentos de total delirio y desparpajo e improvisando en no pocos segmentos. En esta presentación si se contó con la participación del Dj Rayo, miembro de la banda Los Dorados, ya que en la entrevista antes mencionada, Alex comentaba que al momento de la mezcla de la grabación de la presentación en la Cineteca, se agregaron algunos elementos de tornamesa, así como samplers para enriquecer el resultado final.

Si bien es cierto que no estuvieron exentos de complicaciones técnicas, fue un gran evento en verdad, de esas cosas que la gente realmente agradece, y que para cerrar con broche de oro, regalaran aquel disco, fue para que todos los presentes nos fuéramos de ahí con una sonrisa de oreja a oreja.

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RADIOHEAD

-Si ya se que había prometido subir algo muy distinto hace un par de días- pero fíjense que ayer por la mañana, leí una noticia sobre el nuevo lanzamiento de Radiohead y de que ya habían habilitado la descarga digital de su tan esperado nuevo álbum The king of limbs (poco más de medio día antes de lo previsto, creo) por la módica suma de nueve dólares en formato mp3 y catorce en wav. Así que me dí a la tarea de conseguirlo lo antes posible y poder escucharlo. Lo que me llamó la atención primeramente fue el número de cortes que conformaban el disco, ya que previamente no tenía otra información respecto al octavo trabajo de los ingleses aparte del título y la fecha de sus salida. Sólo ocho son las canciones que forman parte de esta nueva obra, dos menos que su predecesor y de hecho hasta ahora el que menos tracks ha contenido desde el ya mayor de edad Pablo honey (Parlophone, 1993), que fue puesto a la venta por estos días, hace dieciocho años.

Igual lo que nos importa aquí no es la cantidad sino la calidad, y tratándose de Radiohead, sabemos que la hay, y de sobra. A sólo casi un día de haberlo escuchado por primera vez y después una y otra vez, creo que puedo compartirles mis primeras impresiones, así como de ciertos detalles que pude notar.

De entrada, algo de lo que yo me pregunto, es, en el caso de una banda como esta, que prácticamente desde sus inicios ha tenido a medio mundo al pendiente de su música, que de manera sobradamente inteligente y talentosa supo desmarcarse del calificativo grupo "one hit wonder", dando bofetada con guante blanco a todo aquel que los conocía o que solo iba a sus conciertos esperando a que tocaran ese cuasi-himno de la llamada "generación X" que era Creep, al ya no incluirla más en sus presentaciones. Que para finales de los 90's, ya con un gran número de seguidores a sus pies después de la salida de lo que fue el clásico instantáneo The Bends (Parlophone, 1995), sorprendió a propios y extraños al abrir todo un mar de posibilidades y deshacer toda frontera entre el rock y lo electrónico con el Ok computer (Parlophone, 1997) y que posteriormente expandirían sus horizontes hacía los terrenos de la experimentación con aquellas exhaustivas grabaciones que darían como resultado los alucinantes Kid A (Parlophone, 2000) y Amnesiac (Parlophone, 2001) en el naciente siglo veintiuno, y que desde siempre han mantenido ese nivel y creatividad, no sólo para sus composiciones bien dicho sea de paso, sino también para llevar sus negocios, ya que nada más y nada menos, para el In Rainbows (Self-release, 2007) dio cátedra de como adaptarse a las nuevas formas de promoción y distribución de música en formato digital. Y que por si no fuera suficiente, para rematar esta conformada por personalidades tan dominantes e imaginativas como Thom Yorke o Jonny Greenwood, que a su vez están involucrados en gran número de proyectos simultáneamente. A estas alturas, -¿De qué otra forma podría sorprender?, y ojo no me mal entiendan, no con esto me refiero a algún tipo de exigencia estilo fan de hueso colorado o de crítico sabelotodo- si me preguntan, tan sólo al inicio de esta semana, me sorprendió el hecho de que así, sin haber proporcionado detalles previos o haber realizado una promoción como tal (sólo un par de canciones habían sido tocadas en algunos conciertos anteriormente), en tan sólo unos cuantos días podríamos disfrutar de este material hasta ayer inédito del que estamos hablamos, y aún así nuevamente provocar el revuelo, toda clase de comentarios y expectación, -ah!! y también publicar el vídeo del primer sencillo, Lotus flower-.

Teniendo esto en cuenta hablemos pues de este "Rey de las extremidades", título que posiblemente hace alusión a un gran árbol de roble, que se cree tiene mil años de antigüedad aproximadamente y se encuentra en el bosque Savernake Wiltshire, lugar cercano a donde la banda grabó su anterior disco. En mi opinión creo que este trabajo encierra muchísimos detalles, que sólo podremos notar poniendo toda nuestra atención en él, yo recomiendo unos buenos audífonos a un buen volumen y no hacer nada mientras se escucha. De hecho como unidad funciona mejor así, no es una obra para apreciar mientras se hace algo más, ya que está revestido de un gran número de sutiles capas que crean atmósferas realmente interesantes. Por ejemplo, en cuestión de las bases rítmicas, sobre todo en el apartado de la batería y secuencias de ritmos, me parecen toda una delicia; intricadas, minimalistas, hipnóticas, con ese toque que sólo ellos pueden lograr.

En esencia es más uniforme que su predecesor en cuanto al mood, no hay grandes cambios entre corte y corte, si bien algunas canciones tienen un tempo más acelerado que otras, la estridencia no se hizo presente esta ocasión. Se percibe un sonido reposado, mucho más cuidado, que a pesar de encontrarnos por momentos ante composiciones que podrían considerarse sentadas en bases netamente electrónicas y por lo tanto no contar con esa espontaneidad de rolas más guitarreras de trabajos anteriores, existe una organicidad e integración notable, en el sentido de que con el transcurrir de cada track, aunque una y otra posean  instrumentaciones totalmente distintas, no se pierda ese sentido de unidad, caso específico de Feral y Lotus flower, que si bien la primera es totalmente delirante, con todo un entramado de secuencias electrónicas que se van agregando in crescendo y no posee verso alguno, nos transporta de inmediato a esa línea bajo exquisita de Lotus Flower, que en cuanto a los elementos utilizados y su estructura es muy distinta, y sin embargo no desentona en lo absoluto; solo una de las tantas cualidades en la que se han hecho especialistas los de Oxfordshire a través de los años y por las cuales se siguen manteniendo vigentes.

En conclusión he decirles que, tomando en cuenta el gran historial antes mencionado de la banda, difícilmente nos encontraríamos ante una nueva gran evolución respecto a su sonido (o en lo que podíamos esperar), cuestión que por supuesto nunca descarto tratándose de Radiohead. Sin embargo también puedo decirles que efectivamente se trata de una gran obra de arte, en la cual se agradece que sigan dando rienda suelta a todas esas inquietudes que tienen, explorando, intentando nuevas cosas, con ese toque inconfundible que poseen, el cual dará mucho de qué hablar en las próximas semanas. Producido nuevamente por Nigel Godrich, espero sus opiniones, puntos de vista, haber que les parece, saludos.

...I will shape the sins into your pocket

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THE DRIFT

Bueno pues este disco que hoy les recomiendo ya tenía un buen tiempo sin darle una buena escuchada, por azares del destino me tope con él en el playlist de iPod y a decir verdad no lo recordaba muy bien del todo, solo que era post-rock, aunque no estaba seguro de como sonaba, así que me dispuse a escucharlo mientras comía y oh vaya sorpresa que me encontré; de hecho al buscar la portada para postearlo, porque obviamente tenía que compartir esta joyita con ustedes, inmediatamente recordé de como fue que esta genial banda proveniente de San Francisco de nombre The Drift llegó a mis oídos, y pues de hecho ya hace algunos años, yo creo que sería el mismo año en que fue lanzado el mismo, en el 2005.

Honestamente fue de manera casi accidental, ya que me encontraba con mi familia en un centro comercial y decidí darme una vuelta por las tiendas de discos para hacer alguna compra, y en el apartado de música alternativa (sea lo que sea que eso signifique) me llamó mucho la atención la portada de este singular disco, obviamente yo no tenía idea de como sonaba, así que tomé nota de la banda y el nombre del álbum para buscarlo en la red; y así fue como hoy es que se los estoy compartiendo, claro, gracias también que lo redescubrí el día de hoy.

Entrando ya en tema, este Noumena comienza con un inquietante y a la vez delirante intro que va in crescendo con el sonido de un violín tocado de forma que pareciera que las notas no llevan un orden, a la vez que un discreto conjunto de cuerdas le acompañan y posteriormente se le incorpora una batería, para dar la entrada a una serena pero emotiva guitarra que complementa el conjunto para tender un pasaje instrumental exquisito, mientras una trompeta le agrega ese toque jazzero, de lo mejor que he escuchado últimamente.

The Drift no es como alguna otra banda de post-rock que haya escuchado anteriormente, ya que ese agregado de la trompeta le da un toque bien interesante a su música, así como también en la base rítmica cuentan con un contrabajo en vez del tradicional bajo eléctrico de aquellas bandas más centradas en aquel género, y que en suma estos dos factores ponen ese ambiente como de improvisación, bien ecléctico, incluso con ecos de Miles Davis entre las notas.

En verdad me dio mucho gusto volverme a encontrar con este alucinante trabajo de esta genial banda que al parecer aún no es muy conocida, pero igual yo ya ando buscando sus demás discos para escucharlos, pues ahí tienen música de muy alto vuelo, perfecto soundtrack para el día.

...Invisible cities

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BATTLES

Lunes inicio de semana, y vamos entrándole con algo movido y divertido para activarnos y poder llevar nuestras actividades con disfrute. Hoy toca turno de una banda que para mi sorpresa cuenta con un ex integrante de otro proyecto que ya anteriormente habíamos posteado, de hecho por recomendación del buen Alf; se trata del guitarrista ex Don Caballero Ian Williams. Por lo tanto, los que ya le han dado una escuchada a esta bandita, ya más o menos tienen una idea de que va la cosa con estos neoyorquinos que lanzaron su primer ep en Febrero del 2006.

Mirrored (2007) es el nombre de éste su primer y hasta ahora único larga duración, si bien su música podríamos decir que es más bien experimental, su estilo base se encuentra dentro de los terrenos del math rock, por momentos explosivo y otras tantas ácido, echando mano también de pasajes sonoros propios del post-rock; intrincados pasajes sonoros plagados de virtuosos cambios de velocidad, guitarras que no dejan de generar riffs poderosos con una gran precisión y contundencia dan muestra del gran talento que poseen.

También como sello característico añaden unos discretos coros, que forman armonías para algunos cortes, aunque con un timbre algo extraño, obviamente logrado por algún efecto agregado a la voz. La canción elegida para promocionar este álbum fue Atlas, que fue bien acogida por el público y la critica especializada.

Ojalá disfruten de la recomendación de hoy Lunes, tengan buen inicio de semana.

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DEPARTMENT OF EAGLES

Ahh que manera de empezar el mes de Noviembre, con esta recomendación  que espero les guste tanto como a mí, de hecho yo leí de ellos cuando recién había salido a la venta este que es su segundo Lp, primero con la disquera 4AD, de nombre In ear park (2008); Department of Eagles.

De una manufactura elegantísima, Department of Eagles despliegan una música de alto nivel artístico, sonidos llenos de emotividad, por momentos un folk muy experimental e incluso ácido, otras minimalista llena de sensibilidad, con un sutil toque de dramatismo en la forma de cantar que evoca momentos pasados, felices, alguna tarde de otoño tal vez; un día lejano de la niñez.

Por momentos incluso pareciera una dulce canción de cuna, ejecutada solo con un banjo y voz, y posteriormente se van incorporando más elementos, como algunos arreglos a base de violines y unos cuantos metales, pero de manera muy discreta. En otros casos se incorporan pocos elementos electrónicos, como base a una velocidad lenta para lograr esa fusión tan particular, en cuanto al resultado final.

Introspectivo, realmente orgánico, a pesar de que la gran mayoría de los cortes que forman parte del álbum no pasan la media de los 4:00 minutos, creo que la duración es la adecuada, ya que sin contar con pasajes meramente instrumentales prolongados, despliegan un gran abanico sonoro, que yo en lo particular he disfrutado desde la primera vez que los escuche, desde la misma portada del disco; un bosque plasmado de noche, con esa luz que emerge desde adentro del mismo, pareciera una pintura estilo Van Gogh, me recuerda un recorrido a media noche por un cerro con grandes arboles arropando el camino, solo iluminados por las luces del carro en el que íbamos.

Tiene un aire de nostalgia bien especial, a cada escucha lo disfruto más, lleno de pequeños detalles a cada nota, el piano, los coros a múltiples voces, esos pequeños silencios, la sutileza, las percusiones, realmente un gran disco de aquel 2008, mis favoritas, Phantom other, Herring bone, Classical Records, Floating on the Lehigh y la magnifica Balmy night que cierra esta gran obra, de una manera bellísima.

I had a line but i don't remember...

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BJORK

Que tal muchachones, pues ya es nuevamente fin de semana, las vacaciones practicamente ya acabaron y afortunadamente para nosotros la música no deja de fluir, y quisiera comenzar explicando un poco sobre este pequeño recorrido que me propuse a postear poco a poco, haber que les parece.

A mitad de semana mientras chateaba con un buen amigo, me recomendó una muy buena cantante de ascendencia mexico-americana, que vivió buena parte de su vida en Canadá; -rica combinación cierto?- que desafortunadamente para mí, no había tenido el gusto de escuchar antes, y pues en estos días en eso estoy, no les mencionaré mucho al respecto, solo que al estar en lo de la recomendación que me hacían, al escucharla por primera vez, trate de buscar alguna otra exponente que más o menos tuviera el mismo estilo o timbre de voz, costumbre que creo tenemos todos al escuchar algo ¨nuevo¨, para describir lo que me llegaba por vez primera. Me vinieron un par de talentosas musas que, digamos se desenvuelven por más o menos los mismos derroteros. 

Una vez terminada aquella conversación, me dí a la tarea de buscar algún que otro disquito de aquella artista que me habían recomendado, y mientras estaba en eso, traté de hacer memoria de más o menos cuantas y cuales son las bellas cantantes que he tenido oportunidad de escuchar hasta ahora, y resultaron no ser pocas, entonces me vino la genial idea de ir recomendandoles una a una, para que no se diga que por acá hay discriminación hacia el lado femenino de la música. Está de sobra decirles que esta es la primera entrega de una serie de recomendaciones que iré subiendo, y que, como dato adicional solo diré que estará bastante variada, en cuanto a estilos, vertientes o géneros pudiéramos referirnos.

Bueno ya entrando en materia, comenzaré por advertirles que, lo que sí hay en esta lista de recomendaciones femeninas, son las preferidas y obviamente los que me conocen sabrán que no podría haber comenzado con otra, más que con mi musa en particular, que no es otra, sino la bellisima islandesa Bjork. Recuerdo aún cuando escuché por primera vez un disco completo de ella, fue el extraordinario Homogenic (si, admito que me acerqué algo tarde al trabajo de esta señorona), tercer larga duración dentro de su discografía.

Debo decirles que hasta antes de que escuchara de ella, bueno más bien alguno de sus discos completo, nada me había conmovido de tal manera, en serio, que manera de cantar, su forma en como adentra al escucha en su muy particular universo sonoro. Decidí presentarles este que es el sucesor del antes mencionado Homogenic, de nombre Vespertine, debido a que en mí opinión es su trabajo mejor logrado, más intimista, y que se convertiría en el disco en donde alcanzaría su madurez creativa, que posteriormente le haría, siguiendo su instinto, cambiar el rumbo, o más bien explorarlo desde otras perspectivas, en sus siguientes obras.

Lanzado en el 2001, Vespertine es un trabajo realmente honesto y muy rico en cuanto a instrumentaciones se refiere, apasionado de principio a fin, no hay segundo que esté de sobra aquí señores, desde la inicial Hidden Place, minimalista en sus arreglos, sin embargo realmente orgánica que solo nos deja entre ver de que va la cosa, con esos soberbios arreglos de cuerdas que resaltan en el estribillo de la melodía. Siguiendo el viaje, con una que es de mis favoritas, Cocoon, nuevamente de carácter  minimalista, Bjork nos ofrece una interpretación conmovedora, apabullante y cálida, versos inspirados un día cualquiera en la playa, pensando en alguien especial; simplemente nos lleva al éxtasis, brindándonos tiernas caricias con su voz, y eso que sólo es el comienzo. It´s not up to you continua, mostrando en primer plano la voz de la islandesa, intensa como ella, simplemente hermosa. Dando paso a Undo y esta a su vez a otra ya clásica, Pagan poetry, que fue el segundo sencillo del disco, que cuenta con un inquietante arreglo con arpa simplemente extraordinario.

Otra de mis favoritas, sin duda alguna es Heirloom, penúltima pieza del álbum, realmente no se como describirla; serena, con una base que captura desde la primera nota, tiene la particular gracia de desaparecer todo alrededor, y llenarnos solo de hermosa música, un sueño recurrente de nuestra guía en este nuestro viaje sonoro.

Sin más, ojalá les vaya gustando lo que iré posteando, no olviden que sus comentarios se agradecen, así como sugerencias, buen fin de semana.

They make me feel so much better...

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TEAM SLEEP

Estamos en pleno fin de semana y comencé mi día escuchando esto que hoy les comparto, que ha decir verdad tenía algún tiempo sin escuchar, pues lo nuevo del también vocalista de los Deftones, me sigue teniendo maravillado. Buscando algo más o menos tranquilo para escuchar mientras me dirigía al parque donde corro, me tope con éste proyecto alterno del señor Chino Moreno, de nombre Team Sleep, trabajo titulado con el mismo nombre de la banda, fue gestándose paralelamente desde las grabaciones que darían lugar al que para mí es hasta el momento el mejor disco de los Deftones, el bellisimo y a la vez potente White Pony. Cinco años se llevaría el señor Moreno para confeccionar y pulir lo que sería el primer disco de este proyecto; haciéndose rodear de algunos viejos amigos, partiendo con la idea de dar rienda suelta a toda esa inquietud que tenía por los sonidos más experimentales, más reposados, influenciados más propiamente de bandas muy ajenas al metal y que por lo tanto no tendrían mucha cabida en su banda principal.

Son quince los tracks que conforman el álbum, en el que el viaje sonoro está garantizado, plagado de ritmos trip-hoperos, nos topamos ante un gran esfuerzo de Chino y compañía por exponer esa otra faceta musical, en donde las atmósferas tienen un peso fundamental y en donde muchas veces la estridencia de las guitarras queda relegada a un plano más sutil. Con momentos realmente bellos con la genial Princeton Review o la reposada 11/11, que bien dicho sea de paso, en las cuales Chino Moreno no se encarga propiamente del apartado vocal. También se dan oportunidad de mostrar un lado más post-rockero incluso desde la inicial Ataraxia o la emotiva Blvd. Nights, que si bien el acercamiento al sonido deftoniano es practicamente inevitable, tiene alma propia, así como de un sello bastante distintivo; por momentos emparentado directamente con monstruos del trip-hop como Portishead o Massive Attack, para posteriormente desmarcarse totalmente de cualquier comparación, con el transcurrir del disco, haciendo una mezcla de sonidos bastante equilibrada.

Hace unos momentos la lluvia se hizo presente, y eso podría afectar nuestros planes y por lo tanto hacernos permanecer en casa, y por si ese llegara a ser el caso, pues que mejor que brindarse este proyecto alterno del buen Chino, que aún no se ve para cuando pudiera llegar un segundo material discográfico. Sin embargo mientras eso sucede disfrutemos de esto lanzado en el año del 2005, que incluye colaboraciones de lujo de gente como Melissa Auf der Maur (ex-bajista de Hole y The Smashing Pumpkins) y Mike Patton (vocalista de Faith no More).

Escuchen, disfruten, viajen, no olviden opinar, esperamos sus sugerencias, tengan buen fin, hasta la próxima.

You raise questions of me

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FLYING LOTUS

...Y es así como dejo atrás todo rencor; mi arrogancia, todo aquello que creí saber, recuerdos, mis cuitas y todo arraigo que llevo conmigo.

Siento como mi percepción se secciona; la unidad de mi cuerpo no es tal, mi conciencia se parte en dos, una se centra en aquel sonido, y otra en una voz que repite algo ininteligible una y otra vez.

El sonido que era externo inicialmente, ya no lo es, soy yo; me envuelve una calidez proveniente del centro de lo que era mi pecho conforme se expande, las sensaciones rebasan el limite de mis dedos, mis ojos, oídos, mi piel. 

Ya no respiro, mi aliento se va con un suspiro, no tengo miedo, solo me entrego a aquel momento; cada etapa de mi vida se desvanece conmigo en aquel brillo; ahora soy parte de todo y todo es parte de mí, el pasado y el futuro ya no son, pues puedo estar y no estar.

Soy viento transportando aquellas ondas sonoras que resuenan desde la fuente misma y llega a todo el que las escucha.

Soy la energía, la pasión y la vida; me disperso en el cosmos y llevo aquellas melodías; soy el asombro que te da cuando algo que no existe choca en aquel torbellino de lo que son todos tus sentidos.

Esto que les escribo arriba, es algo de lo que me viene a la mente cuando escucho esto que hoy les recomiendo, he de confesar que, hasta hace poco ignoraba de la existencia de este interesante proyecto y que para mí, ha sido un hallazgo bastante fascinante; me causa total admiración el hecho que unas unas pocas personas o incluso una sola puedan crear obrar con semejante y singular belleza, hoy no les describiré mis apreciaciones sobre el disco, eso se los dejare a ustedes, de nombre Cosmogramma, lo más reciente de Flying Lotus, ojalá les sea de su agrado, cuéntenme como fue su viaje sonoro.

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